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A Long Road To ‘High Hopes’: An Interview With Bruce Springsteen

Bruce Springsteen walked into SIR Studios in Manhattan with the shearling collar on his chocolate-brown bomber jacket popped up. He cracked a joke about the traffic he encountered on the way from New Jersey, tacitly hinting at the Chris Christie-eviscerating skit he and Jimmy Fallon would perform the next night on the comic’s late-night show. In the flesh, he looked exactly The Boss, ready for action in an impeccable grey sweatshirt, black jeans and brown boots, his athletic body moving efficiently into the chair opposite his interviewer. He’d made time for a chat before a rehearsal with the E Street Band, to let people know about the new album, High Hopes, out this week.


Springsteen had some things he wanted to say, about his producers and his bandmates, including new member Tom Morello, and the decade or so of recalibrating his own creative style that has resulted in this collection of re-imagined older material and no-longer-lost tracks (listen to the complete interview, with selections from the album, at the audio link on this page). But he was also quick to laugh and ready to listen. He warmed up while talking about other artists — peers like U2, elders like Dylan, and relative newcomers like Jason Isbell and Savages (at one point he got so excited talking about the musicians he’s listening to lately that asked for his laptop so he could read names off his playlists) and gave careful consideration to big issues like mortality and more day-to-day matters, like figuring out which new songs work within his legendary live sets.


Careful while discussing the biographical and musical touchstones of his persona, Springsteen didn’t show much interest in shoring up the myth of Bruuuuuce. When this overly enthusiastic lifetime fan compared him to Picasso, he raised his eyebrows and mentioned Abbott and Costello instead; when he mentioned that many of his neighbors were affected by the destruction of the twin towers, I interjected, “First responders,” but he reminded me that in his wealthy New Jersey township most people work in high finance. Springsteen is aware that he lives among the elite. Yet as a musician, he’s still a skilled worker — maybe more so than ever. Our conversation ended with talk of plans, plans, plans: to maintain a steady stream of new releases; to use the Internet for archival and other purposes, and and to keep the E Street Band on the road, if not forever, for a good long time. Until he drops, Springsteen will pay his audience in sweat equity. Though again, he’d deflate any praise for that. When it comes to music, he reminded me, “musicians don’t call it working; they call it playing.”


Let’s start by talking about the title track and how the title track frames the album in a way. It’s a cover; it’s a song you’ve done several times in your career. And the album as a whole, it’s a new album through which you reflect on a period of your career which I would sort of mark starting around The Rising, maybe.


Yeah, it’s a bit of a mixture of things, you know, where it’s just music I had that I liked. And I’ve always got many, many songs running around looking for homes at all times. And I’m always trying to figure out how to give them one, you know. And you know the process: You make a record, and like I said, over the past decade, we’ve recorded quite a bit but not quite in the style that we had in the ’70s and ’80s where there were enormous bodies of work that never saw the light of day or songs that never came out. I mean, there’s just so much stuff still in the vault, you know. So, [over] the past decade, Brendan [O’Brien, Springsteen’s frequent producer] had a more structured environment. In other words, we didn’t record something until we were sure we were going to use it on the record or very, very sure. So we didn’t go down, record 30 songs or 40 songs, you know. I might have fooled around — well basically I would demo things at home, see if they were worth bringing to his attention and then I would bring them down to Atlanta where we recorded or he’d come up to New Jersey sometimes. And we would select a relatively small body of songs and decide — and usually anything we selected we already knew we were going to be able to make good records of — so that really changed the process a lot.


I think The Rising was 15 songs and there may have been a few outtakes, you know, not many. The same thing with Magic and Working On a [Dream]. Those were all records that we just simply didn’t have a large body of outtakes. So these groups of songs were songs that sort of, you know, this one would have got on except … “Down In the Hole” would have got on but “Empty Sky” got on or “Harry’s Place” would have got on but — I’m not sure, I think we were considering that for Magic — but you know so these were songs that just sort of, just slightly slipped out.


It’s like a parallel universe of Bruce Springsteen music.


Slightly, you know, a little bit. So these were all things that I liked a lot that we were planning to have on records and just missed, you know, for whatever the reason might be.


Some of them you recorded in the past, though, yes?


Yeah and there were a lot of unusual things where like I said we have “American Skin” which I cut live.


“[The Ghost of] Tom Joad,” obviously.


The past couple of records I tried — well, on Wrecking Ball, we got “Land of Hope and Dreams” out. If I have a song that I feel is really one of my best songs, I like it to have a formal studio recording because I believe that something being officially released on a studio record gives it a certain authority that it doesn’t quite have if it comes out on a live album or is just a part of your show, you know.




“The Ghost of Tom Joad,” the version that I do with Tom [Morello], was sort of my original realization of it. I originally wrote it as a rock song for the E Street Band and we didn’t quite pull it off and that led to The Ghost of Tom Joad acoustic album, but I always had in my mind that, you know, that was its inception. That was how it was originally conceived, so we started to fool around with it onstage. I came up with a version of it and then Tom walked in one night and just exploded the boundaries of the thing and turned it into just something else. So, OK, we need — I want — that on a formal studio recording and I want “American Skin” on a formal studio recording because I think it may be one of my best songs ever, you know, but it’s certainly, it needed to be represented outside of the sort of context it was originally presented in and I just, I just still feel deeply, deeply connected to the song.


Then you have to get very good studio recordings of it because the problem you have then is you probably have very good live versions of those things and so you have to come up with something that equals or betters that in some way and that can be very difficult. We spent a lot of time on “The Land of Hope and Dreams” on the Wrecking Ball album because it was difficult to match or beat the live version. We played with it rhythmically, we played with it arrangementally; didn’t know if we were gonna get it; didn’t know if we had it. And then Bob Clearmountain came up with a mix of it that suddenly presented it to us and we said, “OK, that’s great.”


Actually, I’ve been wondering about that. Like when is the click moment for you? Especially with these songs that you are revisiting or are just demos. When does it become not just revisiting something from the past, but you’re like, “I’m in a new place, I’m in new territory with material I’ve had for a while”?


Well, to make it, it has to sound very fresh. It has to sound like, you can’t just sort of copy the live performance because it’ll kind of lay there, you know. The live performance has an audience and it has the band firing on all eight and so it’s not about going in and performing what you did live. Although the version of “American Skin” is pretty close to our live version but then Tom enters the picture and he just does something slightly different with it, you know, he just creates a certain ambiance. And then also Ron Aniello, who’s been my current producer, goes in and there’s subtle things in the rhythm and little loops we may use and it just suddenly it begins to breathe a life of its own and I go, “OK, this is going to sound really good on record.”


Do you have to let go at some point? I mean do you have to step back? Your own ego has to retreat and allow for these collaborations …


I never let that happen. [Laughs] But what I have gotten used to doing is I do delegate a lot more in the studio than I used to, which is nice because I don’t think I could work the way I did in my 20s when I, we had a little bit of the half-blind leading the blind in that we all went in and just recorded until a record happened.


I remember reading you would be sleeping in the studio in your coat.


Oh, yeah. It was terrible, you know. In truth, it was awful, an awful way to make records but it was the only way we knew how. Everybody simply suffered through it and the endless, endless, endless hours I can’t begin to explain.


We thank you for those hours.


But it was just what it took at the time, you know, I was just very, very much more controlling at the time so I was always there and I always had my hand in everything. Where today, now, you know it’s very similar even with the live show, where I, over the years, have gathered a team of people, where you find people who, when you leave, will advance your thought processes and then come up with things you would not have thought of and you can come back then and you can edit what you feel is great and what you feel might not work. Brendan O’Brien kind of invented this for us in the modern era. It was very simple. He was the producer. I was not the producer. I was not the producer because I didn’t know how to produce well anymore, you know. I kind of ran out of steam in the ’80s and you need people who are making a lot of records with a lot of different groups, young and old, who are very current with the way records are sounding at a given moment and also creative with it. So really when Brendan stepped in, he had an idea about the way that the E Street Band should sound in the studio in 2000.


And you could be open to that? You felt ready?


Well, yeah, because I had no idea where to go next. I had gone in and attempted to record the band in 1998 and it just wasn’t very good. The only nice thing that came out of it was the version of “The Wall” that is on this record, you know, that was cut at that time. But everything else just sort of laid there, you know. It just wasn’t exciting, you know. And so Brendan was the guy who, he kind of reignited our recording process through a very different sonic landscape, you know. And he brought us back to our roots in that we recorded on 24-track tape with the bass and the drums and he just had a way of recording things that made things sound exciting. And he made you excited then, you know. So then I excitedly went home and wrote more songs to bring back.


Your producer is always your first audience. So, you know, Mr. [Jon] Landau [Springsteen’s longtime manager] has been my first and primary audience for many, many, many, many years — he still is — but your producer is also your first audience. He’s the first guy you play the song for, he’s the first guy you are seducing with the music that you’ve written — you’re trying to get him excited about what he thinks he can do with it — and then it just, you know, it just starts to become cumulatively explosive, you know. So Brendan was a new audience. He was very different than Mr. Landau in the sense that he would rarely, he never asked about any of the lyrics — that wasn’t his primary concern. The entire time we cut The Rising, we never mentioned what the album might be about at all.




No. All we did was go in and make the music, you know. He was just, if it was exciting coming out of the speakers … and he had an instinct for lyric in that he’d say, “No, we need another line here. We need another chorus here. We need something that rhymes with ‘orange,’ ” or whatever, you know. And so he had an internal instinct for what felt right, you know.


I wonder if it’s voicing, like lyrics. I find it shocking that you never talked about lyrics, especially on that album which, to me, meant so much for all of us — but also was a shift for you into a new phase of thinking about your main subject matter. But voicing what you’re saying, it’s not like the written word, it’s what’s coming from your mouth.


Well, we probably would have talked about them if they were bad, you know. I think generally he would say, “Whoa,” you know, “I’m not sure that one’s working.” It just meant that that part of what we were doing was OK, you know, it was acceptable. He was very performance-oriented. We wouldn’t perform a lot. We would play things six or seven times, maybe; maybe less depending on what we had going. You would only sing it that many times, you wouldn’t sing it a lot. We made those records in about three weeks.




And you know mixed them in a week. So all of those …


Like The Beatles or something.


Yeah, most of my early, most of my records of this past decade return to the way that we cut Greetings From Asbury Park. And Greetings From Asbury Park was cut in three weeks and that was generally Brendan’s style. He could do it another way, but he would grow impatient if something wasn’t working out. And rather than sit there and dwell on the myriad reasons and also the simple reasons for our existence on Earth — rather than do that, he would say, “Let’s try something else.”


It was a practical …


And we would simply move to another part or another song and then we would come back and revisit it on another day, you know. So it was a very different recording process and it was one that I needed because I had to get out of my own way by the end of the ’90s. I just, I simply needed to remove myself from the technical aspect of the recording process, let somebody else do their job, do what they’re very good and well-known for. And he’d produced Pearl Jam and Rage Against the Machine and those were good archetypes for where we were, wanted to go at that time, you know. I felt that I had a band that still had a lot more to say, we had a lot of currency in us, we had a new voice and I needed someone to help me present that. So he was very, very critical both in all the many, many things that we did not do that we had done previously and in new things that we needed to do that we didn’t any longer know how to do well ourselves.


Well, just on the subject of The Rising [and Sept. 11], the song “Down in the Hole” on this new album, which to me is one of the centerpieces, I’ve wondered if that event, I don’t know, when you think about artists, there are some times with their careers — Picasso with Guernica, Aretha Franklin with the death of Martin Luther King — their lives are changed by a moment in history, their artistic vision is changed. And I’m projecting onto you that perhaps …


More like Abbott and Costello Meet Frankenstein, that might be, I think we better take it down a notch.


Fair enough. But do you think the world is different now? I mean, obviously the world is different but how is the change in America after Sept. 11, how has that impacted your writing and the period that this album High Hopes reflects?


I live here, so I was interested. When I was very, very young, I decided that I was gonna catalogue my times because that’s what other people who I admired did. That’s what Bob Dylan did, that’s what Frank Sinatra did, Hank Williams did, in very different ways. You know, The Beatles did, The Rolling Stones did. So I enjoyed artists that engaged in their worlds and then created some reflection of it that people could meditate upon and think upon. So that was just, to me, I was just continuing along doing what I was doing. But I also happen to come from an area that was very hard hit in 9/11. Monmouth County lost a lot of …


First responders?


A lot of good folks that worked up there and so it was very, very present. And you know, you knew women who lost their husbands and these were people who I’d known quite regularly and so it was very, very much a part of our area, you know, it being an area where so many people commuted. And so that had, I’m sure that had something to do with it also. And I mean, you know the day the twin towers were burning, I drove, you know, 10 minutes from my home and I stood on the Sea Bright Bridge and they sit right in the middle of that bridge when you stand in the middle of that bridge and there it was and you know the entire skyline turned yellow and gray and you know it was a very … it was just something, you were there.


I was there. I was in Brooklyn so I totally remember. On “Down in the Hole,” your kids are credited as singing backup on the song.


This is hilarious. My daughter, the other day — she had to sign a release. Of course, I doubt she remembers even [singing]. I think she was 8 years old when she did it, she’s like 20 now. But she said, “What is this?” I said, “You’re a recording artist. You have to like sign this.” “Really?” “Yeah.” “Oh, cool.” Patti [Scialfa] sings fabulously on that track, first of all, she just did amazing things with her voice on it. And the kids did some sort of very ghosty part behind her or with her and they were very young and I, at the time, I recorded them on several things, some of which haven’t been released but were just, they had a beautiful sound the three of them when they sang together at that time. And occasionally they still do and so I just brought them in and said, “OK, try this,” and they put the big headsets on and they took a swing at it and they’re on the record.


I mean, to me it worked so well because it’s a song about, I mean, is that person searching for a family member? It brings your own family into it, I think. It’s very powerful.


Yeah. It was just, it was a nice thing for them. And she was excited. She said, “Oh, boy.” I’m not sure she gets paid.


In this day and age, who knows. Let’s talk about your other family, the band, and I mean the band has grown to many, many members now. And one of the interesting things about this project is it is in a way a conversation with yourself about past material, a conversation with Tom, but also across all the members of your band. And I’m just wondering about that dynamic right now and thinking about how it has evolved over the past decade.


It’s the best it’s ever been, you know. And we’re very lucky. You know, most bands don’t work out. A small unit democracy is very, very difficult. Very, very difficult. And as you can see, there’s very, very few exceptions. I think U2 are perhaps the other version where it works, I’ve seen it work. And they’re all exceptional people, you know.


For U2, I think there is a way that the band is a sacred unit and keeping it going …


There was a bit of a Christian streak that ran through what they did and just, they’re a different bunch of guys than you usually run into. And so they’ve managed, they’ve had the temperament to make that work. And also they’re very interdependent, and that’s a key. The wonderful thing about rock music is even if you hate the other person, sometimes you need him more, you know. In other words if he’s the guy that made that sound, he’s the guy that made that sound and without that guy making that sound, you don’t have a band, you know. And sometimes that keeps bands together in a way that’s nice for us, [but] probably very hard for many of them.


I think of The Everly Brothers, you know, fighting, feuding.


Well everybody. The Everly Brothers, Sam & Dave, Simon & Garfunkel. I mean, it’s the rule, not the exception. You’re not really family, but you’re kind of, it’s almost worse, you know, because not only do you live together, you have to work together. The only way I can explain it is imagine if the people you went to high school with, you have worked with those same five people that were in your math class and you’re 60 and those are the same exact people that you’ve worked with every single day of your life.


And sleep with them on a bus.


Yeah. Or in the same bunks or same beds for many, many years. So the opportunity for overfamiliarity is very great. But it’s kind of wonderful the way that different groups work it out, you know. And it’s difficult but it’s just, that’s what a band is; a band is that thing. Whether it’s Creedence Clearwater [Revival], whether it’s The Rolling Stones, whether it’s The Who, or the two young guys, the guys from Oasis. You know, it’s like, it makes for very — The Kinks — there was something that each guy did that was not replaceable, it was not replaceable.


Is that why you definitely included Danny [Federici] and Clarence [Clemons] on this recording, too? The voices had to be there?


No, they just happened to play on those records, you know. And our band was pretty lucky in that, you know, we, I signed as a solo act. We weren’t a democracy. We were kind of a relatively benevolent dictatorship where you could hear other voices and take them into account but at the end of the day it was kind of, it was OK with everybody that sort of, that the decision always came down to what I felt was right. And even then, you know, we had our own difficulties. And we stopped playing together for 10 years, partially because I had run out of ideas as to exactly where to take the band next but also, I think people were a little tired of one another. Which was just a normal thing to have occurred. And we were still in our late 30s and there’s so many small things that enter into it. So when we took the decade off, when people came back, people realized, oh, this was like one of the best things of my life and this guy over there — you had new respect for everyone. I had new respect for the band. I had experienced playing without them and I said, “Well, these guys are elemental to something that I do.” And I think it went all around. Everybody looked at the other guy and said, “Oh, I think we need that guy.” People gave each other more room and at the same time, a lot of the smallness disappeared because everybody realized it was just unnecessary. And we had the greatest, we’ve had the greatest 10 or 12 years, in my opinion, you know, as far as just a living, working band that we’ve ever had. That’s why the band is as good as it is onstage.


And you know, when Clarence passed away, it was obviously very sad but I know that he was very, very happy the last decade that we played. He loved playing, he loved performing. And that we were able to get back to do it and do it for the 10 years that we did it was, it was a wonderful thing for the two of us. And I know that he was always just concentrating on the next gig and how he could make it. So we’ve been very, very fortunate. Part of it was by design in that we were not a democracy, but we were not a solo act either. We were something in between, you know, and that in-between thing has been what’s made us special and it’s been very exciting.


The thought of an in-between space makes me want to talk about gospel music. And I know that you had an idea of doing a whole gospel project. We heard some of it on Wrecking Ball and we hear some of it on this album with “Heaven’s Wall.” I’m a great student of gospel music and I can see where that kind of call-response thing [is] really like the preacher leading a choir.


Well, sure. That was where James Brown came from. The preacher, he’s the original frontman. It’s the shaman. If you go back, that was the original unit that functioned like that, whether it was in church or whether it was tribal. So the frontman kind of grew out of that thing and so it all gets thrown back to roots in blues and gospel music in church.


But what was your idea for a gospel project? Because I know you’ve talked in the past about getting this religious impulse to work in a way that it’s not restrictive or judgmental, you know. We talked about U2. They do a similar thing. And I hear that in songs like “Heaven’s Wall” and even in some of your protest music, the version of “41 Shots” that’s on the album, there’s a lament quality to it, you know, and a trying-to-transcend quality.


Without overusing the word, you know, there’s a Christian element that runs through it because I grew up Catholic and so I was indoctrinated in religious language between eight o’clock and nine o’clock every single morning for the first eight years of my schooling. Five days a week, every single morning, the first thing you did was religion. And so you grew up with that language and it was, of course, distorted, and screwed me up terribly, but at the same time, it made for good writing. And it was a wonderful source of metaphor when you went to write about the world and about your inner life and it served me. I suppose looking back on it, I would like to change some things but I wouldn’t have had that any other way in that it’s served me very, very well and continues to do so. I have a very deep connection to gospel music. I understand the language — I feel I understand the essence of the music itself.


Jay Z and I performed together for President Obama in Ohio and we were both on the same bill. I was playing acoustic and he had his group, you know. And the audience was filled with some of his fans and some of my fans. And his was a big arena — it was like 20,000 people. There were actually some people who’d probably come to see the president, right? So I’m coming out first and I’m gonna play acoustically and it was, you know, I thought “Promised Land” and I thought maybe “Land of Hopes and Dreams.” And it was fascinating as I watched the crowd who — I knew a lot of them had not heard my music before — but who understood the language I was speaking in because it was very gospel-based — you know, “Promised Land” — and the issues that were involved. So that was a fascinating afternoon. It was a great afternoon for me because I got to stand onstage and there were young black kids and there were some older black folks. It was very, you know, multiracial and it was just a great afternoon. And I got to watch people sort of experience some of this, my songs in their bare bones for the first time.


Well, you were talking earlier about how you and Brendan have worked with beats or I know on some of the songs [the credits read] “loops by Bruce Springsteen.” This shows an influence perhaps of hip-hop or at least of the technology of hip-hop and I wonder if at some point in your listening, because I know that you listen to everything and one of the things I treasured about your South By Southwest talk that you gave was how you erase genre and you said, “We should embrace everything that sounds right to our ears,” and I wondered if hip-hop was something at some point that kind of, the light went on for you and you got it or how does that work in relationship to you?


Well it was so present, you know. At one moment particularly you had “White Lines” and this was stuff that was talking about what was going on in the streets and in the inner cities with people who were struggling. And that was something that, I mean, I had my own context for that, you know, that I wrote about it in my own way. But it was the music that came along and gave voice to those things outside of what was then considered a protest music context, you know, and did so really beautifully. And so, you know, I’m not well-versed in it but I have listened over the years. You know, Public Enemy, Notorious B.I.G., I listened to Tupac, I listen to Kanye West. Kanye West is incredible, you know. I mean, the record-making facility, you know, there’s a lot of hours in those records and they’re …


He’s a perfectionist like you.


I mean some of these, there’s like, just the production. And I saw him on television, he did the song called “Blood on the Leaves” on the Later…With Jools Holland — it was fantastic, you know. He’s a very, I still find him very interesting. I’m not necessarily driving [to] it in my car, you know. I probably fall back on the stuff that I listened to as a kid or something if I’m driving around. But I do listen. I listen to a lot because there’s a lot of information in it and it’s just fascinating record-making.


Well the dual side or the flip coin of hip-hop might be country. And you know “Hunter of Invisible Game” for some reason, that song gives me a Hank feeling, a Hank Williams feeling.


Oh, maybe.


The loneliness, you know, I don’t know but I know you love that kind of roots country and I wondered if there was a way you were still feeling that. There was a particular period in your history too, I know, when you turned to that music.


Well, country music is kind of where rock music has gone really at this point, you know. It’s basically kind of pop-rock music, you know. It’s where rock music continues to have a certain currency.


It’s true.


So it’s kind of fascinating to hear country music now because, with the exception of the twang occasionally in the guitar and the voice, it’s really, it’s very much sort of ’80s rock music or something. And it’s an interesting genre because bad country music is some of the worst in the world, you know, but great country music is some of the best. My daughter got into a lot of new country music and she would kind of play it on the way to school on occasion and I got into a lot of some of the new guys. I like some of the Toby Keith records, Kenny Chesney.


Toby’s got that workingman’s thing.


Yeah and when he gets the song, when he’s at his A game, it’s really good, you know. When it’s done, you know, I’m still back with George Jones and Conway Twitty and Lefty Frizzell. That’s sort of my go-to, but there’s a lot of good young country guys out there. Let me get my computer because I have all my stuff and I don’t remember everybody’s name. I have a lot of different playlists and things.


I would love to know what you’re listening to now. But I’m wondering, [in the meantime about] that sort of sense of loneliness in that song particularly, “Hunter of Invisible Game.” I wonder how you cultivate that mood of like solitariness that’s always been such an essential part of your music for me.


That’s not hard to do, you know, that’s my fallback position in life in general.


Is it really? I would have thought you were kind of a team player in some ways.


That took me a long time. The team wasn’t so interested in me.


[He pulls laptop out of his bag and sets it on the table next to his chair. It drops on the floor.]


Whoops. I’m crashing my computer now. So it took a long time to sort of go there. I had to get used to being good company for myself for a long time, which is good because every artist begins as an angry, isolated outsider in one way or another. I don’t know anybody who’s started some other way that I can think of. I mean, maybe there is.


I’m thinking about R&B and soul. Sometimes that, the people who come out of …


You’re right. I think that might be, those roots might be different because they come up out of community and church. So I think that’s a very different context. But I think for a lot of young — certainly blue collar — but young rock musicians …


And male musicians. Let’s just point out, I mean, that’s a very, the solitary male, you know, that’s definitely an icon in rock music.


Yeah, I’ve worked that one as hard as I can, you know.


I’m really curious about the song “Harry’s Place.” Can I just ask a specific question about that? It’s about the production. To me, it strikes me as almost psychedelic. It’s a fantasy song to me.


It is.


And people always talk about Bruce Springsteen as a naturalist, you know, telling the real stories.


Maybe they should check out Greetings From Asbury Park.


I love the dream aspect of what you do. And I’m wondering if you can talk about the role of what dream and fantasy play in what you do.


It’s everything, of course. I mean, that’s all we’re doing, really, we’re living in the world but it’s all sort of dreams and it’s all illusion. It’s theater; it’s not real. We’re making up stories, you know, and people tend to run into you and believe you are your characters. And I suppose the funny thing is the longer you go, you do become sort of some version of them. You both diverge from them, you know, you live, but you also permanently inhabit that geography and that mental space and so you do morph a little bit. We do become what we imagine. And certainly this was the place, America was the place where you go and do that. And I mean really, my thing was very, very new. The characters in my songs were really my father’s life. I mean, it’s not my life. My life was, it was Inside Llewyn Davis with a happy ending, you know. I was, you know, I was that guy. I was the guy sleeping on the couch in midtown and taking the subway to Greenwich Village and I kind of caught the last tiny bit of the folk boom and you know I auditioned for John Hammond at The Gaslight [Cafe] and met David Blue. David Blue took me to meet Jackson Browne at The Bitter End when he was promoting his first record. And then he took me out and I met Odetta and I opened for Dave Van Ronk at Max’s Kansas City. So I caught the very tail end of that thing you know with John Hammond.


But what about the punk side?


And I caught the beginning of that because I would open for Dave Van Ronk and if I missed my bus back to New Jersey, I had to go back to Max’s. And when I went back to Max’s, at 1 or 2 a,m., the New York Dolls were playing upstairs.




And I’d never seen anything like it. They were great, you know. And so it was, I sat in this strange fulcrum between both something that was at its very end and something that was really just beginning. And so I saw the Dolls, this was 1973 I think. It had to be because I was playing solo acoustically. I mean, it was very, very early, you know. Or [1974] or somewhere in there, you know.


That’s the right period, I think.


And so that was all going on downstairs. I never became a part of the downstairs scene at Max’s. I just sort of took my bus in and went and did my gig and then I would run to get on the last bus back to New Jersey.


What about Suicide and covering “Dream Baby Dream” in a way that I think Alan Vega never would have done. I mean, let’s be honest.


Well, I just loved them when I first heard them and I loved him, you know. I still think, he was a cross between sort of, it was futuristic and visionary and yet it was completely authentically rockabilly. And he was like Elvis if Elvis had been, you know, been sort of born in the mid-’70s or something. So they were always very, and he was incredibly, really, I don’t know. He just manifested something that was always very mystifying and raw.




And very sexy and very, very rebellious and they were very brave because, you know, they were very provocative in their day and the audiences I’m sure you know took it out on them from time to time. So they were just gutsy. It was just the real thing for me. And I wasn’t gonna, you know, that wasn’t where I was making my day but it was something that when I heard it, it really moved me a lot. And like I said, I think they should be in the Rock and Roll Hall of Fame.


Hopefully it will happen.


And I think they’re very, I think they’re becoming more influential as time passes. I think this group Savages just did a cover of “Dream Baby Dream” also.


You know, you were talking about how artists become their own fictions. But then, thinking about “The Ghost of Tom Joad” and especially “41 Shots,” and thinking about the Trayvon Martin story of this past year, you were also talking about people who don’t have a chance to transcend their fictions. And I wonder if that, those kinds of stories interested you more in these recent years? It seems to.


I just think that when you kind of grow up, I believe everything that I’ve written about kind of comes from the psychology of my childhood in the sense that I lived in an interesting house, you know, and I’ve said this many times. I lived in a house where somebody was very fulfilled by their work and a house where somebody was very lost in the workplace and struggled very hard to keep their head above water. And it was a house that, you know, it was the finance company that kept us floating month to month just barely, you know.


So I saw that happen and it was a bit of, you know, sons and fathers. It’s the old thing. Somebody asked T-Bone Burnett once what was rock ‘n’ roll: “Daddy,” you know, somebody crying, “Daddy!” The whole sons and fathers thing — it’ll never stop. I suppose it’s somewhat boring at this point in time but the bottom line is it just is. Funny, when I went to work, you know I’ve said in the past, what did I do? I put on my father’s clothes, really. I didn’t put on my clothes. You know, when I began to craft a larger image than the one I started with in the early ’70s, I very much crafted it. I used to have a funny dream, you know, where I would be in the audience while I was playing and I would somehow end up wandering down the aisle and I would come to my father’s seat. And he would be sitting there with my mother alongside of him and this would be in the middle of the arena while the show was going on and I remember kneeling down and I would say, “Dad,” I would point and say, “That’s you. That’s you.” I said, “That’s how I see you.”


That’s a very classic American literary [thing] — I’ve been reading John Updike lately and I feel like it’s in that kind of midcentury novel as well. Trying to figure out your place in the lineage. But the songs on this record, the political songs, especially working with Tom, who’s so political, I wonder if you’ve changed to think about broader identities beyond this one focus on your own.


You know, Tom’s very active — much more than I am. And he’s just a fascinating character. But Steve [Van Zandt], Steve had a whole stretch of where he made nothing but political records.


It’s true.


Now the funny thing is, Steve and I have gone full circle. Steve in the ’70s, on the Southside records, says, “No politics in music. That’s a mistake,” he says. And then, the guys have often credited our first trip to Europe and Steve is often credited as turning him around politically because together we went to East Berlin, you know, and this was in 1980 and it was pretty grim. And Steve has always said that that trip, going through Europe in the 1980s, affected him and he then made political music for a decade and continues to be very, very active — more than myself.


Recently the death of Nelson Mandela reminded us of what he did, you know.


And “Sun City.” So I’ve had that around me for a long time, really. I had Steve and then of course Tom so it just means we fit well together and we find a place where we, you know, have a lot of commonality and we draw from that. And I mean Tom suggested “High Hopes” which really kind of sits in with a lot of that music. I think he dug out “Hunter of Invisible Game,” too. I think Brendan had played that for him at some point when I wasn’t in the studio. You know, Brendan produced Tom also. And then, just, those are places where he and I naturally gathered, you know.


And I gather in different places with different members of the band, which is why the band is so nice at this point. It’s lovely, I have so many places to go to. Everybody is underutilized. I have to apologize to the guys. I mean, we have four great guitar players. Everybody — really with the exception of me — subsumes their ego to the greater whole.


Soozie [Tyrell] has some great moments on this record.


Oh, yeah. And Patti, you know Patti’s records have been completely, in my opinion, completely underrated. If people go back and listen to the last record she made, Jesus, I thought that the writing was like Dusty in Memphis. You know it was just a lovely, lovely record and great singing. And so everybody sort of is, and I have to thank them for it because everybody comes out and they work as an ensemble at my service and it’s a gift that they give me and it’s very nice.


I wanted to ask you also about “Frankie Fell in Love” as a potential live highlight, you know, because it’s just such a fun song. It’s that classic, I can just see the crowd rocking to it and everything.


I’m hoping so, yes.


Are there songs like that that you know you’re gonna bring them into the room and it’s gonna become a moment?


Yeah. And sometimes that doesn’t happen.


Have you been disappointed by [the reaction to] your own songs?


“This one, people are gonna love this one!” And you go out and you play it and it’s like, “Eh, OK, that was all right.” You’re not always right. I had some songs that I thought were gonna become part of the body of the set and sometimes they did and sometimes they didn’t. It didn’t mean that they weren’t great songs. Maybe I didn’t present [them correctly]. And then also songs have lives where they don’t truly reveal themselves [until] 10 years later.


Like what? What’s one?


“The Ghost of Tom Joad,” [which] suddenly became a really large song on our last couple of tours. So the songs reveal themselves at different moments and when you maybe have a chance to interpret them better. But sometimes you go in and you go, “Oh this one’s gonna kill live! I can’t wait ’til we get out and play this thing live!” And sometimes that happens; it doesn’t happen all time. Sometimes you get out there and you’re playing, playing and it’s just, you go, “Well.”


You see a dull look in the eyes of the audience?


Well, it’s just, you don’t see sort of the explosion you thought was gonna occur. But we’ll see, you know, so, we’ll see what happens.


The Saints’ song that you covered — you were in Australia when you made this. So, the Saints. I loved it because I have a friend that has a son named Bailey after Chris Bailey. No one ever knows who he’s named after. I was like, “Yes, you’re covering the Saints!” But I also wondered — that’s a band that’s very influenced by Bruce Springsteen. When you cover a band who’s influenced by you, are you in dialogue with yourself?


I don’t think they were, you know. I mean, they started out as a pretty hardcore punk band with “(I’m) Stranded.” And then later, they made lovely record that “Just Like Fire Would” was on. That never reminded me of me, I just thought it was great and I loved that song, you know. So but you know, everyone steals from everyone else.


That’s the business.


And stealing well is, there’s a genius to it. And you know, when it’s done well, I mean, I can hear groups that have been influenced by us but they’re themselves, you know, who do beautiful work.


Arcade Fire.


And Brian, I know Brian Fallon from The Gaslight Anthem, he was a fan but he does something, he just manifests something that’s completely his. I’ve played with his band onstage a few times and I love doing it. It’s just wonderful. We played in Asbury Park at Convention Hall one night and we did “American Slang” and it was just great. You hear little bits of [your music in other songs] but then they take it to another place. They take it to a place where you wouldn’t have taken it, you know. And that’s what you hope for. When you’re playing, you hope that somebody hears your voice, is interested in what you’re doing and then gathers whatever they think might be of value in it and then moves it down the line. And we’re all part of sort of that, being a musician is, as Patti and I often discuss, it’s a wonderful thing. You’re a part of a long, long line of the continuity and of wonderful things and people who’ve made magic and enlightened people and excited people and changed the way people thought, looked, dressed, acted, behaved, thought about themselves, thought about their country, thought about their town, thought about how they wanna be who they wanna be.


You know, Against Me! I just heard a song they did, “Black Me Out,” it’s a fantastic song, you know. And so, any time where you feel you may have dropped a seed or two that someone picked up in any way is, it’s just a pleasure. I mean it’s like, “Oh yeah, I did that little part of my work well,” in that this was an assistance and someone went and made something beautiful of their own or crazy of their own about it or whatever, however it comes out.


It’s that gospel impulse that we were talking about, that connecting, making a line through history.


Yeah, I mean, you go down, I’m sure you know, the Seeger Sessions Band, I could see doing a gospel record with that group of musicians. You know, with “O Mary, Don’t You Weep,” and “Jacob’s Ladder.”


I’d love it.


I’d love to do a project like that at some point. And you know so it, you never know where something’s gonna go and it comes up in places where you least expect it and that’s where it’s always the most fun. You know, it’s always quite wonderful.


[Looks down at his laptop]


My computer’s still working after I crashed it. OK, “Traveling Alone,” by Jason Isbell. I believe he was a part of the Drive-By Truckers. He’s got a lovely solo record out himself. There’s a gal called, hold on, let me see here. I’m gonna plug some people here because I love their records.


I love that Jason Isbell, it’s one of my favorite records of the year.


Slim Dunlap, Slim Dunlap is fantastic. He was a part of The Replacements and he made two fabulous rock records that were just really, deeply soulful and beautiful.


I think he had a stroke not long ago.


Yeah I don’t know what his health condition is at the moment but I know some folks were cutting some things of his. I hope I get a chance to cut one of his songs because he’s, it’s just, this stuff, check out the two Slim Dunlap records because they’re just so beautiful, they’re just beautiful rock ‘n’ roll records. I found them to be deeply touching and emotional. Kristina Train: very Dusty Springfield. There’s a song called “Dark Black” that’s fantastic. I love that. And let me see who else I can plug here while I’m rolling.


Do you like Eric Church? Have you heard his song “Springsteen?”


Yeah, yeah! My kids thought it was hilarious. “Dad! There’s like a song, like your name is in it!” And it was a good song, too, so it was nice. And I wrote him a letter, I said we all got a kick out of it, you know. It was a lovely song. It was fun.


What’s cool about that song is it did use your name but it wasn’t like a tribute to you. It was just about how they listened to you while they made out, you know.


That’s as good as it gets, you know. I mean the verses were really lovely, wonderfully done. So you’re thinking of a guy in the ’80s and you’re making that music and you know that’s what you want, to be the music someone’s making out to, you know, at least, that’s what you hope to be.


Yo La Tengo, “Tears Are In Your Eyes.” I just recently discovered that and I just kind of recently got into them and they’re fantastic.


They’ve been indie mainstays. Jersey! They’re from Jersey!


Yeah, I know. Phosphorescent, I like what he does. Bonnie “Prince” Billy, “Gulf Shores.” I’ve got tons of stuff. But anyway.


How about if you wanna give us any like classic, soul, R&B stuff you’ve been listening to that you love. I mean, I know that we could name the expected but can we go off the beaten track?


Yeah, I’ll find something that’s a little different. Alright, 8th Day. Check out 8th Day. “She’s Not Just Another Woman.” “You’ve Got To Crawl Before You Walk.” I like, of course, I’ve got, I have a thing here somewhere that is …


When you listen to blues, do you tend to like like Bobby Bland style urban blues? Are you into the country blues? Or is there a mix?


I like both. Yeah, I like both of those things a lot. It depends on the mood you’re in, you know.


Gene Chandler, “Gonna Be Good Times.” “Do I Love You” by Frank Wilson. A great, not-that-well-known soul song.


What else have I got here?


I feel that you’ve become a more soulful singer as you’ve gotten older.


I’m still a pretender but I’m getting better at it and my voice has actually gotten better. I can sing a little more in tune as I’ve gotten older. I think the older you get, the deeper you slip into some of those roots but perhaps you just with age, you gain more in common with actually the people who made some of those records. Because occasionally, if I get the right song, I can do OK with it. We do this song called “Back In Your Arms” — there’s a nice version we did on the last tour where I’m like, I’m getting pretty close, that sounds pretty close.


I feel like “Girls in Their Summer Clothes” was a song like that too. It had such a classic sound.


Oh yeah, that’s just a fun you know, my Spector, pop [song]. That’s a song I thought people were gonna love, you know. And a lot of people did I guess, but it didn’t become a very big part of our show. It was one of my favorites of recently, you know.


Yeah, what else you got there, kid? Anything else? Or am I gonna go rehearse?


Anybody, shout out questions. That’s why we’re here.


We talked about gospel, we talked about the band, we talked about the religious stuff I wanted to ask you about. You know, I have serious questions and I have fun questions, you know. I like the fun questions a little better.


Let’s do those.


“Ride Your Pony,” The Fleshtones. A great garage version of “Ride Your Pony.” I love that.


I love The Fleshtones. They’re awesome. I mean I guess one thing I’d ask you, you’ve talked about you and Tom having this thing, it’s like he’s inspired you, but I mean a lot of it just seems like you’re having fun with him and, like, he’s an unpredictable performer. What’s been the most surprising thing, or was there a moment onstage where you were like, “Where are we going with this?”


Yeah. Well, you know, musicians don’t call it working; they call it playing. There’s a reason. You haven’t actually worked an honest day in your life, you know, or you may play very hard and perform very hard, but don’t kid yourself. And so it’s, and Tom just comes on and yeah he’ll start and sometimes I don’t know where he’s going. Jackson Browne came backstage and said, “Hey, Tom Morello, that’s funny,” he says. “Well the E Street Band builds a pretty big house when we get out there at night.” And he says, “Yeah when Tom Morello comes out, he builds another room on it.” And I think, yeah, that’s what he does; he builds another room. In other words he just brings things sonically in that we haven’t had and don’t have and those things are surprising. And you know he’s a visionary guitarist, you know.


You also let him sing on the record.


Well, he sings real good. He’s got a nice baritone. He’s not a tenor, he’s a baritone voice and when you catch the right thing, he’s a powerful vocalist. He really, you know, makes it work, you know. So he kind of takes the band sonically some place [new]. Really the reason the record exists is I had that material. He came along and he kind of brought something to it that moved it to another level and made it feel like, “Oh yeah, this is current and this is something I’d like my fans to hear.” It just brought it into a tighter focus and made it very exciting.


Is there something on this record that’s sparking the next project for you or are you not in that head space yet?


Everything is always doing, I have, you know, five or six different projects I’m working on. Some of it’s archival, some of it’s new, some of it’s kind of in the vein of songs, like on this record, that I’ve had that I’m trying to find a home for. And it depends on what I’m able to realize next, you know. Sort of like what we do next depends on what is bringing itself to conclusion or fruition. [For] some things I need to write some songs. It depends on what comes up as you go. You know, things’ll happen on this tour. I don’t know what’s gonna happen yet but we may at one point have the entirety of the E Street Band onstage, possibly in Africa, which would be fun because that’s a mighty unit at this point. Now we have an open-door policy where people have other lives and do some things.


Television stars, things like that.


And that’s worked well but we may, we’re gonna, we’ll see. You never know what’s really, where it’s all gonna go until you get out there.


And Jake [Clemons] is working out well on the horn?


Yeah, he came in very gracefully. Took an impossible position and it was partly, because he understood what Clarence was, what he meant, what those solos meant. And you know, he’s who people felt who he was the minute he stepped out. He’s a very smart but also very soulful young guy who makes lovely music of his own but deeply understands the band and the stakes that we try to play for. And that was very important because I got DVDs by a lot of guys that could play circles around the moon and I sat there one morning and Patti was sitting there and I was going, she was going, “Nope, nope, nope, nope.” It had nothing to do with the playing. The guys were playing their asses off, you know. And I knew what she was saying. She was saying it somehow has to remain family in some way, you know? And particularly I think Clarence would have — he mentioned Jake to me a few times and he said, “I have a nephew. He plays very well.” And he brought Jake with him on tour. [He] didn’t play; he just kind of hung with Clarence and I think he might have, looking back on it now I think he might have had him there — I think it was when Clarence wasn’t feeling that well. So it was just, we were … somebody up there likes me, that’s all I can say.


Well it’s that lineage thing. And I guess this is sort of how I’d like to wrap it up, asking sort of a hard question, which is that you have said, I think in that Rolling Stone interview you did, in certain recent interviews you’ve given, you keep mentioning this image of the light at the end of the tunnel.


Why would you not.


Now I have to say, you are one of the more fit performers that I have seen.


It’s like the guys that keel over during the marathon. They’re fit, too, I’m sure. It’s like, hey man, no one knows what tomorrow brings. That is the only thing I know. And once you’re my age, there’s quite a few folks missing already, alright? And from 50 on out it only increases as time passes by. I lost my two great-aunts this year — my mother lost her two sisters — they were our living, breathing connection to the old world in Italy and they were a core, you know, it’s, I can’t explain it. It was an enormous loss; they were amazing people. Not to mention friends, not to mention people who are struck with really serious and often debilitating illness. It’s just like you reach a certain part of your life and it becomes a part of your life. I lived with Clarence for the last decade and he struggled to get along. And Danny also. It’s just a part of the day and so I always, I use that image as motivation for sort of, I’m a bit more interested in working.


I believe the band’s gonna be playing for a great deal longer, all right, but not forever anymore, as you felt when you were 32 years old. You realize, OK, there’s a finiteness. There’s a moment now when we go to Europe and there’s a new group of 16-year-old kids who I know are seeing the band for the first time, or people in their mid-30s and 40s never saw the band until 2000, who, you know, I’ve seen at 50 shows already. So now when I go and we get these really young kids and we get a lot of them overseas, you know, I realize, these kids will have never seen the band with Clarence or will have never seen the band with Danny and they will outlive us by many, many years, you know, and so tonight is our night with them. And so you’re playing for an audience who will significantly outlive you now which is kind of both wonderful and bittersweet and I look forward to doing that a lot longer.


Leonard Cohen is still going.


Yeah and he’s fantastic.


Oh my god. He’s better than he was. I mean, I count three-hour shows! He might top you in terms of length!


Yeah, you know. I played with The Stones last year and I had a wonderful night and they played great and it was just lovely having them onstage and seeing them there. It meant a great deal to me. It’s just, it’s part of the landscape, you know. And it’s nice, it gives you a little extra motivation. And also my kids have kind of all slightly moved out of the house now so you know you have a little bit more time.


So the rehearsals could go all night long now? You’re not keeping the kids up.


It could if we wanted to. I don’t think anybody wants to anymore. And we don’t need to. But I think that it’s like, “Wow, I have all of these things I’m interested in.” I would like to put something out every year at this point. There’s no reason [not to]. The first contract I signed, I was supposed to put an album out every six months. Those were the days.


That’s how it was, right? I mean, The Beatles.


An album out every six months. And that’s what you were supposed to do! I signed, I agreed. And you know the first year I did! And so I would certainly like to put a project out a year.


Do you look at Pearl Jam, bands like that that do a lot of things on the Internet. I know you talked to someone about that, bootleg series type stuff.


Yeah, we’re looking into doing more of that also. I think I’d like to get an archival series going in some way. I’d like to make things more available through the Internet. The Internet has become our friend, you know. We went to South America — hadn’t been to South America in 25 years — we played for a lot of people. And I guarantee you very few of them had ever seen us before but I was shocked by how knowledgeable they were about the band. The first night we went into Santiago, Chile, and I realized after a few songs: “I got it. The Internet.” In other words, if you’re anywhere today, you’re everywhere. There’s no such thing as having not gone someplace anymore. We sold 40,000 seats like the first day in Johannesburg. We’ve never been there. But you’ve been there somehow, because someone wants to come and see you. So the Internet now is something that I’m becoming very interested in and trying to find ways of just, you know, getting more music out there. I mean, I’m not gonna be, you know I’m not gonna be tweeting. Somebody tweeted — I think I have someone that tweets for me, you know — “Real men don’t tweet” or something. I don’t know, something. But someone has tweeted in my name.


Do you have concerns? Some musicians are concerned about piracy or issues around that with the Internet but you seem to be very eager.


I knew that when the smartest man in the music business that I knew was selling headsets, I knew that you were going to have to stop worrying about that completely. It’s like my buddy, “Jimmy [Iovine], what are you gonna do about music?” “I’m gonna sell headsets.” You’re always concerned about it. And look, I think for somebody like me, it’s a lot less of an issue. I have a friend who didn’t have their own label, put their records out and if they sold 50,000 of those records it kept them in breakfast cereal for a couple of years. And so I think, you know, those were the guys that got hurt by the decrease in record sales from Internet piracy. And I remain being one of those guys that believes you should get paid for your work so I’m old-fashioned in that. And but at the same time, it’s there and it has many benefits and the idea of, I think we live more in a Grateful Dead touring idea that everything you do is recorded now. And that’s OK with me, you know. As a matter of fact, I believe on this tour, we’re starting to do something like you can come in, you can buy a [wrist]band, you can get a copy of the night’s show. So hopefully we’re gonna do that at a really nice-quality level.


We came from the polar opposite. We started out as being very, very controlling. Now it’s just a different playing field and so it’s exciting: We have our little website and we’ve been throwing some things from the last tour. If there was a great performance that night, somebody can mix it quickly. We got a guy who directs the show great. And suddenly, we caught a version of “New York City Serenade” from Rome that I was just so glad we had, you know? It was one of those things like it was just a perfect night; we had a string section and the guys played it beautifully. And when I saw it, I said, “I’m so glad this exists.” And it wouldn’t exist if we weren’t thinking about getting it out that way and doing those things. So I’m looking forward to expanding and using more of that in the future and hopefully our fans will enjoy it and it’ll give us another canvas to paint on.


But there’s still nothing like being in the room with you, Bruce Springsteen.


Well, you know, the nice thing about that is that is something that you know any film performance and a recorded performance, there’s something about a live performance that like when I asked someone, I wanted to go see Bob Dylan at Monmouth College in Long Branch, my old neighborhood, I just was enjoying being in the room with him. You know, it was just fun. I just enjoyed being there. And that’s something that’s not replicable. It’s recordable, but not replicable.


I agree. I feel that way about Aretha. If I can be in the room with Aretha, I’m happy.


It’s nice. I saw Elvis in his very last days when he wasn’t doing so well. I saw Elvis twice. Once when he was doing great at Madison Square Garden, the first time he played in New York and very close, a few weeks from the end when he played in Philly. And there were moments of brilliance and moments where he wasn’t doing that well but occasionally something would happen where you’d go, “That’s Elvis Presley,” you know, “and I’m sitting here.” And I still remember it, so.


You’ve got a rehearsal. Thank you so much, I really appreciate it.


Thanks, everybody out there. Enjoy the record and we’ll see you on the road.


15/01/2014 La longue route vers « High Hopes » : Une interview avec Bruce Springsteen.



Bruce Springsteen arriva dans les studios SIR à Manhattan vêtu d’un blouson aviateur marron chocolat avec le col en mouton lainé relevé. Il plaisanta sur les embouteillages qu’il a eu en venant du New Jersey, faisant tacitement allusion à la parodie hilarante de Chris Christie (Gouverneur du New Jersey) qu’il fera la nuit prochaine avec le comique Jimmy Fallon dans son émission de télévision. En chair et en os c’est vraiment Le Boss, prêt à l’action en T-shirt gris impeccable, un jean noir, des bottes marron, bougeant son corps athlétique avec aisance pour s’installer sur la chaise en face de son interlocuteur. Il s’est libéré un peu de temps, avant une répétition avec  l’E Street Band, pour cette entrevue afin de parler de son nouvel album High Hopes qui sort cette semaine.

Springsteen avait des choses à dire sur ses producteurs, le groupe et  son nouveau membre Tom Morello et la décennie passée à revoir son processus de création qui a abouti à ce recueil de vieux titres retravaillés qui désormais ne tomberont pas dans  l’oubli. Il était d’humeur joviale et à l’écoute. Il s’échauffa en parlant d’autres artistes, ses pairs comme U2, ou des plus anciens comme Dylan mais aussi des nouveaux comme Jason Isbell et Savages (il était tellement enthousiaste au sujet des musiciens qu’il écoute dernièrement qu’il a demandé son PC  portable afin de lire les noms de sa playlist), il parla  également de sujets plus graves comme la mortalité et des problèmes plus ancrés dans son quotidien comme le choix des nouvelles chansons pour ses concerts légendaires.


Prudent en discutant des moments clés  de sa vie personnelle et musicale, Springsteen n’a pas vraiment envie d’entretenir le mythe de Bruuuuuce. Une fois un fan de toujours un peu trop enthousiaste l’avait comparé à Picasso, il leva les sourcils et mentionna plutôt Abbott et Costello (duo de comiques américains des années 40/50). Quand il m’a dit qu’un bon  nombre de ses voisins avaient été touchés par la destruction des tours jumelles j’ai dit «des secouristes»,  mais il me rappela que dans sa commune aisée du New Jersey  la majorité travaille dans la haute finance. Springsteen est conscient de vivre parmi l’élite mais pourtant en tant que musicien c’est toujours un «ouvrier qualifié » peut être encore plus maintenant que jamais. Notre conversation se termina sur ses multiples projets : pour maintenir un flux régulier de nouveautés,  l’usage d’internet pour archiver ou autre, pour garder l’E Street Band sur la route si ce n’est pas éternellement en tout cas pour un bon bout de temps. Jusqu’à la fin Springsteen remerciera son public à la sueur de son front sur scène. Même si pour lui ce n’est pas la peine d’en faire tout un plat. En ce qui concerne la musique, il me rappela que « les musiciens n’appelle pas ça travailler mais jouer ».

Commençons par la chanson titre de l’album  et comment elle a façonné le reste de l’album. C’est une reprise, vous l’avez jouée plusieurs fois dans votre carrière. L’album dans son ensemble est nouveau  il fait écho à une période de votre carrière que je situerai à partir de l’album The Rising.

Oui en fait c’est un peu de tout, vous savez j’avais des chansons que j’aimais, j’ai toujours eu pas mal de chansons «errantes »en stock qui ne demandaient qu’à  trouver refuge et j’essaie toujours de leurs trouver une maison. Vous connaissez le processus quand on fait un disque, comme je l’ai déjà dit on a beaucoup enregistré dans les 10 dernières années mais pas autant que dans les années 70-80 où une énorme partie de notre travail n’a jamais vu la lumière du jour, il y a pas mal des chansons qui ne sont jamais sorties. Je veux dire qu’il y a encore tellement de choses dans le coffre-fort.  Du coup ces dix dernières années Brendan (O’Brien son producteur) a instauré un environnement un peu plus structuré en d’autres termes on n’enregistrait que si nous étions surs que le morceau aurait une place sur l’album ou presque surs. Nous n’étions pas en studio pour enregistrer 30 ou 40 chansons. Je pouvais quand même m’amuser – en gros je faisais les démos à la maison, je voyais si ça valait la peine de lui montrer ou pas et j’allais à Atlanta pour les enregistrer ou il venait dans le New Jersey. Ensuite nous sélectionnions quelques chansons et prenions notre décision – en général nous savions qu’avec ce que nous avions sélectionné nous allions faire un bon disque – le processus a donc énormément changé.

Il y a 15 chansons sur l’album The Rising je crois, il y a eu quelques chutes mais pas beaucoup, de même que pour Magic et Working on a Dream. Alors les chansons de High Hopes auraient pu être sur ces albums … «Down in the Hole» aurait pu également être sur un de ces albums mais on a choisi « Empty Sky », ou on aurait pu même choisir «Harry’s Place» – je ne suis pas sûr mais je crois qu’on y a pensé pour l’album Magic – mais finalement ces chansons ont été en quelque sorte écartées.

C’est comme un univers parallèle de la musique de Bruce Springsteen.

Légèrement, un peu oui. J’aimais toutes ces chansons et nous voulions les avoir sur des disques mais ça ne s’est pas fait peu importe la raison.

Mais certaines chansons avaient déjà été enregistrées, non ?

Oui et il y avait aussi des choses inhabituelles, comme «American Skin» que j’avais enregistré en live.

«The Ghost of Tom Joad» évidemment.

J’ai essayé sur les 2 derniers albums – Sur Wrecking Ball nous avions «Land of Hope and Dreams». Quand j’ai une chanson que j’estime être une de mes meilleures chansons j’aime bien en avoir un enregistrement studio parce que je pense que le fait d’être diffusée officiellement sur un album studio lui donne une certaine légitimité qu’elle n’a pas si elle sort sur un album Live ou si elle est jouée seulement en concert.

Ah d’accord.

La version de «The Ghost of Tom Joad» que je fais avec Tom (Morello) ressemble à la version originale que j’avais écrite. Au départ c’était une chanson rock pour l’E Street Band et finalement on n’est pas vraiment allé au bout et cela a mené à l’album acoustique The Ghost of Tom Joad mais j’ai toujours eu à l’esprit qu’elle était faite pour ça. C’est comme ça que je l’ai écrite à l’origine alors nous avons commencé à jouer avec sur scène.  J’avais une autre version de cette chanson et un soir Tom est venu et il a littéralement explosé les limites de cette chanson pour en faire totalement autre chose. Alors je me suis dit qu’il nous faut – que je veux plutôt – cette version enregistrée officiellement en studio et je veux aussi «American Skin» parce c’est surement une de mes meilleurs chansons, ça l’est certainement, il fallait qu’elle soit présentée en dehors du contexte dans lequel elle a été présentée à l’origine, je me sens toujours profondément lié à cette chanson.

Il faut avoir une très bonne version studio parce que le problème c’est que l’on a des très bonnes versions Live de ces morceaux et il faut sortir quelque chose qui puissent être à même de les égaler ou de les surpasser, ça c’est très difficile. Pour l’album Wrecking Ball on a passé pas mal de temps sur le titre «The Land of Hope and Dreams» parce que c’était difficile de faire aussi bien ou mieux que la version Live. Nous avons joué avec sur les rythmiques et les arrangements, nous ne savions pas si nous allions y arriver et nous ne savions pas si nous avions réussi. Ensuite Bob Clearmountain nous a présenté une version qui reprenait un peu tout cela et nous avons dit : «Oui c’est génial ».

Justement je me demandais comment vous faisiez. Comment savez-vous que c’est le moment d’enregistrer? Surtout avec ces chansons que vous revisitez ou qui ne sont juste que des démos. Quand est-ce que cela devient non pas seulement une version revisitée du passé mais vraiment quelque chose de nouveau, où vous vous dites : «je suis en terre inconnue avec des choses que j’avais depuis un moment ?»

En fait pour y arriver il faut qu’on ait l’impression d’entendre une nouveauté, on ne pas juste copier une version Live car cela ne le fera pas. Une version Live a un public et tout le groupe à fond derrière, il ne s’agit donc pas du tout d’une reproduction de ce qu’on a fait sur scène. Bien que la version d’« American Skin» soit proche de notre version Live, Tom apporte sa touche et il en fait quelque chose de légèrement différent, il crée une certaine ambiance. Ron Aniello, mon producteur actuel, apporte aussi sa touche personnelle avec de subtiles changements dans le rythme, des petites boucles et soudain le tout prend vie et là je me dis : «ça va vraiment bien donner sur un disque».

Est-ce qu’à un moment vous devez laisser courir? Je veux dire est-ce que vous devez prendre du recul ? Vous devez  mettre votre égo de côté afin de permettre toutes ces collaborations…


Non jamais ! (Il rit). Je me suis habitué à déléguer un peu plus qu’avant en studio et c’est une bonne chose car je ne crois pas que je puisse travailler comme je le faisais quand j’avais la vingtaine, j’étais un peu comme un borgne au royaume des aveugles…on était tous là à enregistrer jusqu’à ce que cela fasse un album.


Je me souviens avoir lu que vous dormiez au studio dans votre manteau.


Oh oui, c’était terrible, vous savez. La vérité c’est que c’était horrible, c’était une manière horrible de faire des disques mais c’était la seule manière que nous connaissions.


Nous vous remercions pour toutes ces heures.


C’était ce qu’il fallait faire à l’époque, je voulais tout contrôler alors j’étais toujours là et je touchais à tout. Alors qu’aujourd’hui, même pour l’organisation des concerts, j’ai rassemblé au fil des années une équipe qui est à même en mon absence de faire avancer les choses comme je l’aurais fait mais aussi de faire des choses auxquelles je n’aurais pas pensé du coup je peux ensuite décider de ce que je veux conserver ou pas. C’est Brendan qui est à l’origine de ce mode de fonctionnement de ces dernières années. C’était très simple. C’était le producteur, je n’étais pas le producteur parce que je ne savais pas comment produire enfin je ne savais plus. Dans les années 80, je n’avais en quelque sorte plus de jus, j’avais besoin de gens qui avaient fait des disques avec différents groupes, jeunes ou vieux, des gens à la page sur les sonorités actuelles, des gens capables d’être créatifs avec ces nouvelles sonorités.

Quand Brendan est arrivé, il avait une idée sur le style que devait avoir le Street Band  en studio en 2000.

Et vous étiez ouvert à cela ? Vous vous sentiez prêt ?

Oui parce qu’à ce moment-là je ne savais plus dans quelle direction aller. J’ai essayé en 1998 d’enregistrer avec le groupe et ce n’était pas très bon. La seule bonne chose c’est la version de «The Wall» présente sur ce dernier album, mais à l’époque elle a été coupée. Le reste semblait juste être posé là, sans vie ce n’était pas palpitant. Brendan a ravivé notre manière d’enregistrer en apportant tout un nouveau panel sonore. C’était un retour aux sources nous enregistrions sur bande 24 titres avec les basses et les percussions et il avait une manière d’enregistrer qui rendait les choses plus excitantes. Son enthousiasme était communicatif alors je rentrais à la maison plein d’entrain et j’écrivais encore plus de chansons.

Le producteur est toujours notre premier public. Mr (Jon) Landau a été mon premier public pendant de très, très, très longues années- il l’est toujours. C’est le premier pour qui je joue la chanson, c’est la première personne à séduire avec la musique que j’ai écrite- on essaie de susciter son enthousiasme sur ce qu’il pourrait faire avec ce qu’il vient d’entendre- c’est toute cette accumulation de choses qui fait que le résultat devient puissant, explosif. Brendan c’était mon nouveau public, il était très différent de Mr Landau dans le sens où il ne me demandait jamais les paroles- ce n’était pas sa préoccupation première. Pendant tout le temps où nous avons enregistré The Rising, nous n’avons pas du tout parlé du sujet de l’album.

Vraiment ?

Oui. Tout ce que nous faisions c’était jouer la musique. Il fallait juste que ce qui sortait des enceintes lui plaise…il était intuitif en ce qui concerne les paroles, il disait : « Il nous faut une autre ligne ici, il nous faut un autre refrain là. Il nous faut quelque chose qui rime avec «Orange» ou autre, par exemple ». Il était très instinctif et savait qu’elles étaient les bonnes choses à faire.

Je me demande si la formulation c’est la même chose que les paroles. Je trouve ça choquant que vous ne parliez jamais des paroles, surtout sur cet album (The Rising) qui pour moi et bon nombre d’entre nous est très important. Formuler ce que vous dites ce n’est pas la même chose que le mot écrit, c’est ce qui littéralement sort de votre bouche.

En fait on en aurait surement parlé si les paroles étaient nulles. Il aurait dit : « Tu sais je ne suis pas sûr que ça fonctionne là », ça signifiait que cette partie était passable, acceptable. L’interprétation était très importante pour lui, nous ne jouions pas tant que ça. On jouait peut être six ou sept  fois, parfois moins selon ce que nous avions à faire. On ne chantait pas beaucoup juste ces six ou sept  fois. On enregistrait ces disques en trois semaines.


Et c’était mixé en une semaine. Alors tout…

Comme les Beatles ou autre.

Oui, la plupart de mes premiers albums et  la majorité de mes albums de ces dix dernières années ont été enregistrés comme Greetings From Asbury Park. On a enregistré Greetings From Asbury Park en trois semaines et c’était également la manière de faire de Brendan. Il aurait pu faire autrement mais il devenait impatient si ça n’allait pas comme il voulait. Et au lieu de rester là les bras croisés à ressasser et à tergiverser sur le pourquoi du comment – il disait : «Essayons autre chose».

Quel pragmatisme…

Alors on passait à une autre partie du morceau en question ou une autre chanson et on y revenait un autre jour. C’était une toute autre manière d’enregistrer mais j’en avais besoin car à la fin des années 90 je devais sortir du cadre que j’avais institué. Je devais sortir de tout ce qui concerne les aspects techniques d’un enregistrement, laisser les gens dont c’est le métier le faire, les laisser faire ce qu’ils savent bien faire, ce pour quoi ils sont connus et reconnus. Il a produit Pearl Jam et Rage Against the Machine ces groupes étaient les archétypes mêmes de ce vers quoi nous voulions aller à l’époque. J’avais le sentiment que le groupe avait encore beaucoup de choses à dire, nous avions un nouveau souffle, nous avions une nouvelle voix et j’avais besoin de quelqu’un pour m’aider à le montrer. Il était très, très critique sur tout, sur les choses que nous n’avions pas faites, sur les choses que nous avions fait précédemment et sur les nouvelles choses que nous devions faire mais que nous n’étions plus capables de bien faire tout seuls.

Parlons de The Rising (et du 11 septembre), la chanson «Down in the Hole» qui est pour moi une pièce maitresse de ce nouvel album, je me demande si cet évènement,  je veux dire quand on pense aux artistes il y a certains moments dans leur carrière – je pense à Picasso avec Guernica, Aretha Franklin avec la mort de Martin Luther King- leurs vies ont été changées par un évènement historique et leurs  visions artistiques en ont été changées. Peut-être que je projette ça sur vous…

Vous voulez dire Plutôt Abbott et Costello rencontrent Frankenstein, je pense que vous mettez la barre un peu trop haut.

D’accord, mais pensez-vous que le monde est désormais différent ? Evidemment le monde est différent mais qu’est-ce qui a changé aux Etats-Unis après le 11 septembre ? Comment cela a-t-il influencé votre écriture et toute cette période à laquelle l’album High Hopes fait référence ?

Je vis ici alors ça m’intéressait. Quand j’étais très, très jeune j’ai décidé que je témoignerai  de l’époque dans laquelle je vis parce que c’est ce que faisaient les gens que j’admirais. C’est ce que faisaient Bob Dylan, Frank Sinatra et Hank Williams, chacun à sa manière. Vous savez Les Beatles et les Rolling Stones aussi. J’aimais les artistes engagés  qui témoignaient de leur époque et qui donnaient à réfléchir. Alors pour moi c’était juste dans la continuité de ce que je faisais déjà. Aussi je viens d’un quartier qui a été durement touché par le 11 septembre, Monmouth County a perdu beaucoup de…

Secouristes ?

Beaucoup de gens biens qui travaillaient là-bas alors c’était, très, très présent dans mon quartier. Je connaissais des femmes qui ont perdu leurs maris et ce sont des gens que je côtoyais au quotidien, notre quartier a payé un lourd tribut car c’est un quartier où il y avait beaucoup de gens qui faisaient la navette pour aller travailler là-bas. Je suis sûr que c’est donc aussi pour ça. Le jour où les tours jumelles ont brûlées, j’ai pris ma voiture pour aller sur le pont de Sea Bright à 10 minutes de chez moi, il y avait plein de monde assis au milieu de ce pont, c’était là juste devant nos yeux, l’horizon devint jaune puis gris, c’était très…c’était juste important et on était là.

J’y étais. J’étais à Brooklyn alors je me souviens bien. Sur «Down the Hole » vos enfants font les chœurs.

C’est hilarant. L’autre jour ma fille a dû signer une autorisation de parution. Je doute qu’elle se souvienne d’avoir chanté ça. Elle avait 8 ans quand elle l’a fait, elle a la vingtaine maintenant. Elle m’a demandé ce que c’était que ce papier, je lui ai dit : «Tu es une artiste publiée, tu dois signer ça » –  Vraiment ? – Oui  – Oh cool. Patti (Scialfa) chante merveilleusement bien sur ce titre, elle fait des trucs incroyables avec sa voix. La présence des enfants est anecdotique, ils chantonnaient derrière elle ou avec elle, ils étaient très jeunes et à l’époque je les ai enregistrés sur pas mal de titres dont certains qui ne sont jamais sortis mais ils avaient une belle voix tous les trois quand ils chantaient ensemble. Ça leur arrive encore de temps en temps alors à l’époque je leur ai dit : «Ok essayez ça», ils ont mis les gros casques et ils ont essayé et maintenant ils sont sur le disque.

Je dois dire que pour moi cela fonctionne parfaitement parce que cette chanson…est-ce que le personnage cherche un membre de sa famille ? Cela inclut votre famille. C’est très puissant.

Oui. C’était juste un truc sympa à faire pour eux. Elle était toute excitée,  elle n’en revenait pas. Je ne suis pas sure qu’elle soit payée par contre.

De nos jours qui sait. Parlons de votre autre famille, le groupe qui s’est agrandi et qui comporte de nombreux membres maintenant. Une des choses intéressantes de ce projet c’est que c’est une conversation avec vous-même sur vos œuvres du passé, une conversation avec Tom mais aussi une conversation avec tous les membres du groupe. Je me pose des questions sur cette dynamique et sur comment elle a évolué sur les dix dernières années.

Ça n’a jamais été aussi bien. Nous sommes chanceux Vous savez la plupart des groupes ne tiennent pas. Une démocratie à petite échelle c’est très, très difficile. Vraiment très difficile. Comme vous pouvez le voir il y a très, très peu d’exceptions.

Pour U2 ça fonctionne aussi, je l’ai vu moi-même. Ce sont tous des personnes exceptionnelles vous savez.

Pour U2 j’ai l’impression que le groupe est une sorte d’Union Sacrée et le fait que cela dure…

C’est vrai qu’il y avait une sorte de tradition Chrétienne  dans leur travail, ils ne ressemblent pas aux citoyens lambda que l’on croise tous les jours. C’est pour ça qu’ils ont réussi à durer dans le temps, ils ont le tempérament pour faire en sorte que ça marche. Ils sont dépendants les uns des autres et c’est une clé essentielle. Il y a une chose surprenante concernant le Rock c’est que même si vous haïssez l’autre, parfois vous en avez encore plus besoin. En d’autres termes c’est ce gars qui fait ce son et  sans ce gars qui fait ce son vous n’avez pas de groupe. Cela permet de maintenir le groupe ensemble, pour nous c’est sympa mais c’est surement très dur pour de nombreux groupes.

Ça me fait penser aux frères Everly, vous savez ils se disputaient, se querellaient.

Comme beaucoup. Les frères Everly, Sam et Dave, Simon & Garfunkel. C’est la règle et non l’exception. Un groupe ce n’est pas vraiment une famille mais ça y ressemble c’est même presque pire parce que non seulement vous vivez ensemble mais vous devez travailler ensemble. Imaginez  les gens avec qui vous vous êtes allé au lycée, imaginez si ces cinq personnes avec qui vous avez travaillé étaient avec vous en classe de math alors que maintenant vous avez 60 ans et ce sont exactement les mêmes personnes avec qui vous avez travaillé tous les jours de votre vie.

Et dormi avec eux dans un bus.

Oui ou dans la même couchette ou le même lit pendant de longues années. Alors c’est beaucoup plus facile d’être familiers entre nous. C’est parfois surprenant la manière dont chaque groupe arrive à gérer ça.

C’est difficile mais c’est ça un groupe, un groupe c’est tout ça. Que ce soit Creedence Clearwater (Revival), les Rolling Stones, les Who ou les jeunes du groupe Oasis. C’est juste que – les Kinks par exemple- les choses que faisait chaque gars étaient uniques et irremplaçables.

C’est pour ça que vous avez aussi inclus Danny (Federici) et Clarence (Clemons) sur cet album ? Leurs voix devaient être là ?

Non , il se trouvait juste qu’ils avaient joué sur ces titres.  Nous avons eu de la chance sur ce coup-là. Vous savez tout ce que nous faisions portait ma signature, nous n’étions pas une démocratie. Nous étions une sorte de dictature relativement bienveillante, j’entendais les voix des autres et je le prenais en compte mais c’est moi qui prenais la décision finale et tout le monde était d’accord avec ce système de fonctionnement. Nous avions nos propres difficultés même à l’époque. Nous avons arrêté de jouer ensemble pendant 10 ans, en partie parce que je n’avais plus d’inspiration, je ne savais pas vers quoi me diriger avec le groupe mais aussi parce que je crois que nous en avions un peu marre des uns et des autres. C’est normal que cela arrive. Nous avions presque 40 ans et il y a avait plein de petites choses qui entraient en considération. Après cette décennie de séparation, au moment des retrouvailles nous avons réalisé que ce que nous avions était surement une des meilleures choses de notre vie- nous avions un nouveau respect entre nous. J’avais un nouveau respect pour le groupe. J’ai eu pendant la séparation l’occasion de jouer sans eux et j’ai réalisé que leur présence est fondamentale dans ce que je fais. Je pense que c’était le cas pour le monde, on se regardait les uns les autres en se disant que nous avions besoin de tout le monde. On laissait plus de place à l’autre et les mesquineries disparurent car tout le monde réalisa que c’était inutile. Depuis je pense que les 10 ou 12 années écoulées sont les meilleures années que nous avons passées ensemble en tant que groupe. C’est pour ça que le groupe est aussi bon sur scène.

Lorsque Clarence est décédé, c’était évidemment très triste mais je sais qu’il était très, très heureux la dernière décennie où nous avons joué ensemble. Il adorait jouer, il aimait être sur scène. C’était merveilleux pour nous deux de pouvoir le faire de nouveau et ce pendant 10 ans. Il pensait toujours au concert d’après et comment il allait le jouer. Nous avons été très chanceux. Ce n’était pas démocratique mais ce n’était pas un solo non plus. Nous étions entre les deux et c’est cette relation entre deux qui faisait que c’était spécial, c’était très excitant.

Penser à un espace entre deux me donne envie de parler de Gospel. Je sais que vous aviez dans l’idée de faire un projet entièrement Gospel. Nous vous avons déjà entendu dans ce registre sur Wrecking Ball et également sur ce dernier album avec le titre «Heaven’s Wall ». J’ai pas mal étudié la musique Gospel et cette interaction appel – réponse est semblable à celle d’un pasteur menant  la chorale.

Oui bien sûr. James Brown venait de là. Le pasteur est à l’origine au-devant de la scène, c’est le Chaman. Avant les communautés fonctionnaient ainsi, que ce soit dans une église ou dans une tribu. La tradition de l’homme au-devant de la scène vient de là et on retrouve ça dans le Blues et le Gospel des églises.


C’était quoi cette idée de projet Gospel que vous aviez ? Je sais que dans le passé vous avez dit que vous vouliez utiliser cette impulsion religieuse mais de manière non restrictive et sans impliquer de jugement. Nous avons parlé de U2 tout à l’heure. C’est ce qu’ils font. Dans certaines de vos chansons comme «Heaven’s Wall» ou même dans des chansons de protestation comme «41 Shots» sur ce dernier album, il y a une sorte de lamentation, une tentative de se transcender.

Sans vouloir abuser de ce terme il y a une veine Chrétienne parce que j’ai été élevé dans la tradition Catholique alors j’ai été endoctriné avec le langage religieux, tous les matins de huit heures à neuf heures pendant les huit premières années de ma scolarité. Cinq jours par semaine la première chose que nous étudiions était la religion. Alors j’ai grandi avec ce langage qui était bien sûr déformé, cela eu un effet néfaste sur moi mais en même temps cela a rendu mon écriture meilleure. La religion est une énorme source de métaphores quand on veut écrire sur le monde et la vie intime, cela m’a servi. Avec le recul quand je pense à cette période, j’aimerais changer certaines choses mais pas ça car cela m’a été bien utile et ça l’est encore. Je me sens profondément lié à la musique Gospel. Je comprends son langage, j’ai la sensation de comprendre l’essence même de la musique.

Jay Z et moi avons joué  pour le président Obama dans l’Ohio, nous étions tous les deux à l’affiche. Je jouais en acoustique et lui avait son groupe. Dans le public il y avait ses fans et mes fans. C’était une grande salle, il y avait environ 20000 personnes. Ah oui et Il  y avait aussi  des gens qui étaient là pour voir le président bien sûr. J’ai joué le premier, en version acoustique alors je me suis dit que j’allais jouer «Promised Land » et probablement « Land of Hope and Dreams ». C’était fascinant en observant la foule- je savais que bon nombre d’entre eux n’avait jamais entendu ma musique avant- mais  ça leur parlait car ces chansons sont très Gospel –«Promised Land » (La Terre Promise) et tout ce que ça implique. C’était une après-midi  passionnante. J’ai passé une superbe après-midi parce que j’étais sur scène, il y a avait des blacks,  jeunes et moins jeunes. C’était très multiracial, c’était un bon moment. J’ai eu la chance de voir ces gens touchés dans leur chair pour la première fois par mes chansons.

Tout à l’heure vous parliez de votre travail sur les rythmes avec Brendan, sur certaines de vos chansons on peut lire dans les crédits «Boucles par Bruce Springsteen ». Cela reflète une influence du Hip-Hop peut être ou au moins de la technologie utilisée dans le Hip-Hop. Je me demande si au hasard de vos écoutes, je sais que vous écoutez de tout, d’ailleurs une des choses que j’aime dans ce que vous avez dit dans une interview lors du festival South By Southwest c’est que vous effaciez les styles, vous avez dit : «Que peu importe le style nous devrions écouter tout ce qui sonne juste à nos oreilles ». Je  me demandais donc si le Hip-Hop  vous a influencé et de quel manière ?

C’était tellement présent. Il y eu la chanson «White Lines» (Grandmaster Flash 1983) qui parlait de ce qui se passait dans la rue et dans les banlieues défavorisées, les gens qui luttaient pour vivre. J’ai également écrit là-dessus mais à ma manière. Cette musique a brillamment réussi à donner une voix à ce qui n’était considéré que comme une musique de protestation. Je ne suis pas aussi rompu à cet exercice mais j’ai pas mal écouté au fil des années.  J’ai écouté Public  Enemy, Notorious B.I.G, Tupac et Kanye West.  Kanye West est incroyable. Il a une facilité à faire des disques, il y a tellement d’heures de travail dans ses disques et…

C’est un perfectionniste comme vous.

Ses disques sont incroyables notamment au niveau de la production. Je l’ai vu à la télévision à l’émission The Later…with Jools Holland, il a chanté «Blood on the Leaves », c’était fantastique. Je le trouve très intéressant. Ce n’est  pas forcément ce que j’écoute dans ma voiture. En voiture j’écoute surtout ce que j’écoutais quand j’étais enfant.

Mais j’en écoute, j’en écoute beaucoup parce que c’est truffé d’information et ses enregistrements sont vraiment captivants.

Je dirais que l’autre face du Hip-Hop serait la musique Country. Je ne sais pas pourquoi mais «Hunter of Invisible Game»  me fait penser à Hank Williams.

Oh peut-être.

La solitude vous savez, je sais que vous aimez ce type de musique Country et je me demandais si vous pensiez toujours la même chose de cette musique. Il y a eu une période dans votre carrière où vous vous êtes tourné vers cette musique.

Aujourd’hui  la musique Country est une évolution du Rock. C’est pratiquement un style de musique pop-rock. Le rock prévaut dans la musique Country.

C’est vrai.

C’est passionnant d’écouter de la musique Country de nos jours parce qu’à part la voix nasillarde et la corde pincée, ça ressemble plutôt à la musique rock des années 80. C’est un style de musique très intéressant, la mauvaise Country est surement l’une des pires musique au monde mais la grande musique Country est l’une des meilleures. Ma fille est fan de la nouvelle musique Country et j’ai donc eu l’occasion d’en écouter en l’emmenant à l’école. J’aime bien certains albums de Toby Keith et de Kenny Chesney.

Toby a ce côté artisan, ouvrier.

Oui et quand il «possède» une chanson on peut dire qu’il est à son apogée, c’est vraiment bien ce qu’il fait. J’écoute toujours Georges Jones, Conway Twitty et Lefty Frizzell. Ce sont mes références en quelque sorte mais il y a pas mal de jeunes qui sont bons. Laissez-moi prendre mon ordinateur parce que tout est dessus et je ne me souviens pas des noms de tout le monde. J’ai pas mal de playlists différentes sur mon PC.

J’adorerais savoir ce que vous écoutez mais je me pose une question sur le sentiment de solitude en particulier dans la chanson «Hunter of Invisible Game». Je me demande comment vous cultiver cette humeur, cette solitude qui pour moi est une partie essentielle de votre musique.

Ce n’est  pas difficile à faire, en général c’est comme ça que je prends du recul dans la vie.

Vraiment ? Je pensais plutôt que vous étiez sociable, avec l’esprit d’équipe.

C’est un long processus. Les gens ne s’intéressaient pas à moi.

(Il sort son ordinateur de la housse et le pose sur la table près de sa chaise. L’ordinateur tombe sur le sol.)

Oops, j’ai cassé mon ordinateur. Comme je disais ce fut un long processus. Il a fallu que je m’habitue à aimer ma propre compagnie, un artiste à ses débuts est en colère, il est d’une manière ou d’une autre isolé, étranger en quelque sorte. Je ne connais pas d’artiste qui ait débuté autrement. Il y en a surement.

Je pense au R&B et à la Soul. Les artistes issus de ces styles musicaux…

Vous avez raison. Je pense que c’est surement parce que les racines de ces courants musicaux sont différentes, ils viennent d’une communauté et de l’église. Le contexte est donc très différent. Je pense que de nombreux jeunes – du milieu ouvrier – de jeunes musiciens de rock…

Des musiciens hommes. L’homme solitaire, c’est vraiment une icône de la musique rock.

Oui j’ai mal pas cultivé cette image aussi.

Je suis curieuse à propos de la chanson «Harry’s Place», j’ai une question sur la production. Pour moi cette chanson est presque psychédélique. C’est une chanson sur un monde imaginaire.


Pourtant on dit toujours Bruce Springsteen le naturaliste, vous savez qui raconte des histoires vraies.

Alors ils devraient jeter un œil à l’album Greetings from Asbury Park.

J’adore l’aspect onirique dans ce que vous faites. J’aimerais que vous nous parliez du rôle du rêve et de l’imaginaire dans ce que vous faites.

C’est tout bien sûr. Je veux dire que c’est tout ce que nous faisons, nous vivons dans le monde réel mais ce n’est que rêve et illusion. C’est du théâtre, ce n’est pas réel. On invente des histoires et les gens ont tendance à les confondre avec nos propres histoires, ils pensent que nous sommes ces personnages.  Bizarrement avec le temps, on devient une version de ces personnages.  On s’en sépare car on vit notre vie mais en même temps ce monde parallèle crée mentalement, cet espace, cela nous habite alors oui on se transforme un peu. On devient ce qu’on a imaginé et c’est le lieu pour ça. Je veux dire les Etats-Unis c’était le lieu du possible. Ce que je faisais c’était nouveau. Les personnages dans mes chansons, c’était la vie de mon père. Ce n’était pas ma vie. Ma vie c’était comme dans le film «Inside Llewyn Davis » avec une fin heureuse. J’étais comme le héros de ce film. J’étais ce gars qui dormait sur le canapé, qui prenait le métro pour aller à Greenwich Village, je suis arrivé sur la fin du boom de la musique folk, j’ai auditionné pour Jon Hammond au café The Gaslight et j’ai rencontré David Blue. David Blue m’a présenté Jackson Brown au Bitter End où il faisait la promotion de son premier album. Il m’a fait rencontrer Odetta et j’ai fait la première partie de Dave Van Ronk au Max’s Kansas City (Bar musical au sud de NY). J’ai connu la fin de ce mouvement Folk avec  John Hammond.

Qu’en est-il du côté Punk ?

J’ai connu le début de ce mouvement, quand je faisais la première partie de Dave Van Ronk parfois je ratais le bus pour rentrer dans le New Jersey, alors je retournais au Max’s. Vers 1 heure ou 2 heure du mat’ les New York Dolls étaient sur scène.


Je n’avais jamais vu ça. Ils étaient géniaux. J’étais là, à ce moment qui marquait à la fois la fin de quelque chose et le tout début d’autre chose. J’ai vu les Dolls sur scène je crois que c’était en 1973. C’était surement en 1973 parce que je jouais acoustiquement en solo à ce moment-là. C’était au tout début, ou 1974 en tout cas dans ces eaux-là.

Oui je crois que c’était bien à cette période.

Tout ça avait lieu sur la scène à l’étage inférieur. Je n’ai jamais fait partie de cette scène-là  du Max’s. Je prenais le bus pour y aller, je faisais mon concert et ensuite je partais en courant pour prendre le dernier bus vers le New Jersey.

Parlons de votre reprise de « Dream Baby Dream » du groupe Suicide, franchement  Alan Vega n’aurait jamais pu l’interpréter de cette manière.

Je les aient aimés dès la première fois que je les aient entendus et je l’aimais bien aussi. Je pense que c’était un mélange futuriste et visionnaire tout en étant complètement de l’authentique Rockabilly. Il était un peu comme Elvis, un genre d’Elvis né dans les années 70. Ils étaient très… et il était très… comment dire. Il dégageait quelque de très déconcertant et brut de fonderie.


Et très sexy, très rebelle, ils étaient très courageux car pour l’époque c’était très provocateur et parfois le public leur en a tenu rigueur. Ils avaient du cran. Pour moi ils étaient vrais. Je ne dis pas que c’était tout pour moi mais quand je les écoutais cela me touchait énormément. Comme je l’ai dit je pense qu’ils devraient être au  Rock and Roll Hall of Fame (Sorte de Panthéon du Rock and Roll.)


Je pense que leur influence est de plus en plus importante avec le tempsJe crois que le groupe Savages vient de faire aussi une reprise de «Dream Baby Dream »

Vous parliez tout à l’heure de la manière dont  les artistes deviennent  leurs propres fictions.  Quand je pense à « The Ghost of Tom Joad » et surtout à « 41 Shots », et l’histoire de Trayvon Martin l’année dernière (jeune afro-américain de 17 ans tué en février 2012 en Floride par un surveillant de voisinage qui fut acquitté), ces chansons parlent aussi de gens qui n’ont pas la chance de transcender leur  fiction. J’ai l’impression que ces dernières années ce genre d’histoire vous intéressent plus, non ?

Je pense que lorsque comme moi on grandit…tout ce que j’ai écrit vient de l’enfance que j’ai eue,  je l’ai déjà dit plusieurs fois mais j’ai grandi dans une maison intéressante.

J’ai grandi dans une maison où il y en avait un qui était comblé par son travail et l’autre qui était perdu dans le monde du travail, tous les deux luttaient durement pour garder la tête hors de l’eau. On s’en sortait à peine mois après mois grâce aux banques qui nous maintenaient à flots.

J’ai connu ça, c’était un peu les pères et les fils. C’est la même vieille rengaine. Un jour quelqu’un a demandé à  T-Bone Burnett ce qu’était le Rock and Roll il a répondu « Papa » vous savez quelqu’un qui appelle « Papa »! C’est vieux comme le monde les pères et les fils et cela ne s’arrêtera jamais.  De nos jours ça parait surement ennuyant mais au final c’est ainsi. C’est marrant quand j’allais travailler, je l’ai déjà dit dans le passé mais qu’ai-je fait ? En fait j’ai mis les vêtements de mon père. Je n’ai pas mis mes vêtements, c’est une image mais ce que je veux dire par là c’est que j’ai fait comme mon père quand j’ai commencé à façonner mon image, autre que celle que j’avais au début des années 70. J’avais ce rêve bizarre où j’étais dans le public pendant que je jouais, je déambulais dans l’allée et je me dirigeais vers le siège de mon père. Il était assis là avec ma mère à ses côtés, en plein milieu de la salle, en plein concert  et je m’agenouillais près d’eux et je disais en montrant la scène du doigt : «Papa, c’est toi, c’est toi c’est comme ça que je te vois ».

C’est un classique de la littérature américaine. J’ai lu John Updike dernièrement et je pense que c’est également très présent dans la littérature de la moitié du 20ème siècle. Vous savez essayer de trouver sa place dans la lignée. Les chansons sur cet album, les chansons politiques et le travail avec Tom qui est très engagé politiquement, avez-vous  changé ? Pensez-vous à des identités autres que la vôtre ?

Vous savez Tom est très militant beaucoup plus que moi. Il est passionnant. Steve [Van Zandt] a eu une période où il ne faisait que des disques engagés politiquement.

C’est vrai.

Steve et moi sommes passés par tous les stades.  Dans les années 70 sur les disques  qu’il a faits avec Johnny Southside Steve disait : «  Pas de politique en musique. C’est une erreur ». Ensuite nous avons fait une première  tournée en Europe dans les années 80 et les gars ont souvent dit à Steve qu’il en avait fait un déplacement politique car nous sommes allés à Berlin Est en 1980 et c’était très dur de voir ça. Steve a toujours dit que ce voyage l’avait touché, ensuite il a fait de la musique politiquement engagée pendant une décennie et il est encore très, très militant, beaucoup plus que moi.

Récemment la mort de Mandela nous a rappelé ce qu’il avait fait.

Oui avec l’album Sun City. J’ai donc eu cette conscience politique pendant longtemps autour de moi. J’avais Steve et bien sûr Tom et nous allons bien ensemble, nous avons beaucoup de points communs et on travaille à partir de ça. C’est Tom qui a suggéré la chanson « High Hopes ». Je crois que c’est lui aussi pour « Hunter of Invisible Game ». Je crois que c’est Brendan qui lui a fait écouter un jour en studio en mon absence. Vous savez Brendan était aussi le producteur de Tom. Tout ça c’était donc naturellement notre terrain d’entente.

J’ai différents terrains d’entente avec les membres du groupe, c’est pour ça que le groupe est aussi bien en ce moment. C’est sympa j’ai plein de voies à explorer. Tout le monde est sous exploité. Je dois m’en excuser auprès du groupe. Nous avons 4 grands guitaristes. Tout le monde – à part moi- met en sourdine son égo pour le bien de tout le groupe.

Soozie (Tyrell) a de grands moments sur cet album.

Oh oui. Et Patti aussi, je trouve que les disques de Patti ont complètement été sous-estimés. Si les gens se donnaient la peine de réécouter son dernier disque, je trouve que l’écriture ressemble à l’album Dusty in Memphis (Dusty Springfield.) C’était vraiment un bon disque avec une belle voix. Tout le monde fait l’effort et je dois les en remercier de venir travailler tous ensemble pour moi, je le prends vraiment comme un cadeau, c’est très sympa.

Je voulais aussi vous poser une question sur la chanson « Frankie Fell in Love », je pense que ce sera une chanson phare sur scène, elle est marrante. Elle est tellement classique que j’imagine bien la foule emportée dans le sillon de cette chanson.

Oui, je l’espère bien.

Y-a-t ‘il des chansons comme celle-ci, où vous savez qu’en les jouant ce sera un grand moment ?

Oui et parfois ça ne prend pas.

Avez-vous déjà été déçu de  l’accueil reçu par une de vos chansons ?

Parfois je me dis : «Celle-ci, les gens vont aimer celle-ci ! ». Et quand je la joue c’est plutôt : «  Oui ok c’était pas mal ». On n’a pas toujours raison. Je pensais que certaines chansons deviendraient le clou du spectacle, parfois ça l’étaient mais parfois non. Cela ne signifiait pas que ce n’était pas de bonnes chansons. Peut-être que je ne les avais pas bien présentées. Et puis les chansons vivent et parfois ne se révèlent que 10 ans après.

Comme quoi par exemple ?

« The Ghost of Tom Joad » qui est soudainement devenue une chanson importante sur les deux dernières tournées. Parfois les chansons se révèlent dans d’autres moments surement parce qu’on a eu l’opportunité de mieux les interpréter. Parfois on se dit :” Cette chanson sera une tuerie en live, j’ai hâte de la jouer sur scène »,  ça le fait mais pas toujours. On se retrouve sur scène, on la joue et rejoue et on repart en se disant « Bof ».

Vous voyez que le public a l’air de s’ennuyer ?

Non c’est juste qu’on ne voit pas l’explosion à laquelle on s’attendait. Mais bon on verra, on verra bien ce que arrive dans ce cas présent.

Vous avez repris une chanson des Saints quand vous étiez en Australie. Je l’aime bien, j’ai un ami qui a appelé son fils Bailey en hommage au chanteur des Saints Chris Bailey. C’est marrant en général on ne sait jamais de qui on tient son nom. J’étais très enthousiaste en voyant que vous repreniez les Saints mais je me disais aussi que c’est un groupe où l’on voit l’influence de Bruce Springsteen. Alors quand vous reprenez un groupe comme ça que vous avez influencé, c’est comme un dialogue avec vous-même ?

Je ne pense pas avoir influencé ce groupe. Ils ont commencé par du punk plutôt hardcore avec l’album (I’m) Stranded. Plus tard ils ont fait un album plus calme où il y avait « Just like fire would ». Ils ne m’ont jamais fait penser à moi, j’ai juste bien aimé et j’aimais cette chanson. Vous savez tout le monde vole à tout le monde.

C’est le business.

Parfois il y a une part d’ingéniosité dans le vol. Je veux dire quand c’est bien fait, parfois j’entends des groupes que nous avons influencé mais tout en restant eux-mêmes et ils font du bon boulot.

Comme Arcade Fire.

Et Brian aussi, je connais Brian Fallon du groupe The Gaslight Anthem, c’était un fan de ma musique mais il arrive à totalement s’approprier ce qu’il fait. J’ai joué plusieurs fois sur scène avec son groupe et j’adore le faire. C’est juste génial. Un soir on a joué « American Slang » à Asbury Park au Convention Hall c’était vraiment bien.  J’entends parfois des bribes de ma musique dans les chansons des autres mais ils en font autre chose. Ils en font quelque chose que je n’aurais pas pu faire. Et ce qu’on espère tous. Quand on est musicien, on espère que quelqu’un entende notre voix, que quelqu’un s’intéresse à ce qu’on fait et ensuite rassemble ce qui en vaut la peine et en fait autre chose. On en discute souvent avec Patti, on en fait partie, c’est ce qu’il y a de merveilleux dans le fait d’être musicien. On fait partie d’une longue, longue lignée de musiciens qui ont amusé les gens, qui les ont éclairés, qui les ont influencés dans leur manière de penser, de s’habiller, de se comporter, dans ce qu’ils pensent d’eux-mêmes, de leur pays, de leur ville, de penser à comment et qui ils veulent être.

Le groupe Against  Me ! , par exemple, a fait une superbe chanson « Black Me Out ». C’est un vrai plaisir de sentir de temps en temps qu’on a planté une graine ou deux en chemin que quelqu’un a ramassé. Je me dis : « j’ai bien fait cette partie de mon travail »,  cela a été une aide pour quelqu’un qui en a fait quelque chose de beau à sa manière, ou quelque chose de fou à sa manière, peu importe le résultat.

C’est l’impulsion Gospel dont nous parlions tout à l’heure qui créée un lien à travers l’Histoire.

Oui c’est ça, je suis sûr que vous connaissez le groupe des Seeger Sessions, je me vois bien faire un album Gospel avec ce groupe de musiciens. Vous savez avec des chansons comme « O Mary, Don’t You Weep » et « Jacob’s Ladder ».


J’aimerais mener à bien un tel projet. On ne sait jamais vers quelle direction vont les choses et parfois elles vont là où on les attend le moins et c’est ça qui est bien. C’est toujours très sympa.

[Il regarde son ordinateur].

Mon ordinateur fonctionne toujours même après l’avoir fait tombé. Voyons voir, alors la chanson « Traveling Alone » de Jason Isbell. Je crois qu’il faisait partie du groupe The Drive-By Truckers. Il a fait un super album solo. Il y aussi cette fille qui s’appelle, attendez, laissez-moi regarder. Je vais vous faire écouter ce que j’aime.

J’adore cet album de Jason Isbell, c’est un de mes disques préférés de l’année.

Slim Dunlap, Slim Dunlap est fantastique. Il faisait partie du groupe The Replacements, il a fait deux albums rock géniaux, profondément émouvants et beaux.

Je crois qu’il a eu un AVC il n’y a pas longtemps.

Je ne sais pas s’il va mieux maintenant mais je sais que certaines personnes ont enregistré des titres de lui. J’espère que j’aurai la chance d’enregistrer un de ses titres,  c’est juste magnifique, il faut que vous écoutiez les deux albums de Slim Dunlap ce sont de bons disques de Rock n’ Roll. Je les trouve profondément touchants et émouvants. Kristina Train dans le style de Dusty Springfield, sa chanson « Dark Black » est magnifique. Je l’adore. Laissez-moi regarder ce que je peux vous faire écouter tant que j’y suis.

Aimez-vous Eric Church? Avez-vous entendu sa chanson « Springsteen » ?

Oui, oui !  Mes enfants ont trouvé ça hilarant. Ils m’ont dit « Papa il y a une chanson avec ton nom dedans ! »

C’était une bonne chanson alors c’était plutôt sympa. Je lui ai écrit une lettre pour lui dire que ça nous avait fait plaisir. C’est une belle chanson et c’était marrant.

Ce qui était bien avec cette chanson c’est que même si il y avait mon nom, ce n’était pas un hommage ou un truc comme ça. C’était juste des amoureux qui se rappelaient des moments de leur amour sur fond de ma musique.

C’est tout. Les paroles étaient charmantes, bien écrites. Quand je faisais ma musique dans les 80 c’est ce à quoi j’aspirais, être la musique sur laquelle les gens s’aiment en tout cas je l’espérais.

Le groupe Yo La Tengo, la chanson « Tears are In Your Eyes », je viens de découvrir ce groupe et j’aime bien ils sont géniaux.

C’est un groupe clé du mouvement indépendant. Jersey ! Ils sont de Jersey !

Oui je sais. J’aime bien aussi Phosphorescent, Bonnie “Prince” Billy, Gulf Shores. J’ai des tonnes de trucs. Mais bon.

Pourriez-vous nous dire ce que vous aimez en Soul et R&B ? Je sais que nous pourrions nommer  les grands noms mais j’aimerais que nous sortions des sentiers battus.

Oui je pense pourvoir trouver des choses différentes. Ok alors,  8th Day, il faut écouter 8th Day « She’s Not Just Another Woman », « You’ve Got To Crawl Before You Walk». Bien sûr j’aime, attendez  je dois l’avoir quelque part…

Quand vous écoutez du Blues vous aimez plutôt le style urbain comme Bobby Bland ? Ou plutôt le Country Blues ? Ou un mix des deux ?

J’aime les deuxOui j’aime beaucoup les deux. Ça dépend de l’humeur dans laquelle je suis.

Gene Chandler, “Gonna be Good Times”, “Do I Love You” de Frank Wilson une grande chanson de Soul pas trop connue.

Qu’ai-je d’autre?

J’ai l’impression que vous devenez un chanteur un peu plus Soul en vieillissant.

Je suis encore un imposteur mais je m’améliore et ma voix est meilleure. Je chante plus dans le ton en vieillissant. Plus je vieillis et plus je peux facilement m’approprier ce genre de musique ou peut être qu’avec l’âge on a plus de choses en commun avec les gens qui ont fait ces disques. Parfois quand je trouve la bonne chanson je ne me débrouille pas trop mal. Nous jouons une chanson qui s’appelle « Back in Your Arms »je trouve que nous en avons fait une bonne version sur la dernière tournée, elle sonne plutôt bien, je m’approche du but.

Je trouve que « Girls in their Summer Clothes » est aussi comme ça. Elle a un son tellement classique.

Oh oui, elle est marrante, c’est ma chanson Pop dans le style Spector  (producteur). Je pensais que les gens aimeraient cette chanson. Beaucoup l’ont aimé mais elle n’est pas devenue culte sur scène. C’était une de mes chansons favorites de cette période.

Alors qu’avez-vous d’autres ? Autre chose ou je peux aller répéter ?

Quelqu’un a des questions ? C’est pour ça que nous sommes là.

Nous avons parlé de Gospel, nous avons parlé du groupe, nous avons parlé de religion, je voulais vous demander…En fait j’ai des questions sérieuses et des questions plus légères. Je préfère les questions plus légères.

Allons-y alors.

“Ride Your Pony“,  The Fleshtones. Une très bonne version rock garage de “Ride Your Pony “, j’adore.

J’aime bien The Fleshtones. Ils sont géniaux. J’aimerais vous posez une question, vous avez parlé de votre relation avec Tom, comment il vous a inspiré mais en fait j’ai surtout l’impression que vous vous amusez bien avec lui et comme c’est un artiste imprévisible qu’elle est la chose qui vous a le plus surpris venant de lui ? Y-a-t-il eu un moment sur scène où vous vous êtes demandé où vous alliez?

Oui. C’est bien pour ça que les musiciens n’appellent pas ça travailler mais jouer. On ne peut pas vraiment dire qu’on a travaillé dans notre vie, on joue pendant des heures, on donne tout sur scène mais ce n’est pas un travail. C’est vrai que parfois Tom arrive, il commence et oui je ne sais pas où il va. Un jour Jackson Browne (chanteur de Rock) était dans les coulisses et quand il a vu Tom il a dit « Ah c’est marrant Tom Morello », je lui ai dit «  Le E Street Band construit une très grande maison quand on est sur scène » .Sur ce-il rétorqua « Oui quand Tom Morello est sur scène il construit une autre pièce sur la maison». Oui c’est ce qu’il fait, il construit une autre pièce. En d’autres mots il apporte un son que nous n’avions pas et que nous n’avons pas et c’est ça qui est surprenant. C’est un guitariste visionnaire.

Il chante aussi sur l’album.

Il chante vraiment bien. Il a une voix de baryton. Ce n’est pas un ténor, il a une voix de baryton et quand il chope le truc il a une voix puissante. Il fait en sorte que ça marche. Il emmène le groupe vers de nouveaux horizons sonores. Ce disque existe parce que j’avais déjà ces chansons mais son arrivée a apporté quelque chose, il les a emmenées à un autre niveau qui m’a fait dire « Oui ça c’est actuel et c’est quelque chose que j’aimerais que mes fans écoutent ». C’est plus précis et palpitant.

Est-ce qu’il y a quelque chose sur cet album qui laisse présager de la suite ou vous n’êtes pas encore là ?

Je fais toujours plein de choses en même temps, j’ai cinq ou six projets en cours en ce moment. Je travaille sur l’archivage, je travaille sur des nouveautés et je travaille aussi sur des chansons existantes pour leur trouver une maison, dans la même veine que ce nous avons fait avec cet album. Tout dépend de ce que je vais pouvoir faire. Ce que nous faisons après dépend de ce qui va pouvoir aboutir et de ce qui va se concrétiser. Je dois écrire de nouvelles chansons. Ça dépend aussi de ce qui va arriver. Il va surement se passer des trucs sur cette tournée. Je ne sais pas encore ce qui va se passer mais à un moment de la tournée il y aura tout l’E Street Band sur scène, surement en Afrique, ce sera sympa car nous sommes nombreux maintenant. Maintenant nous avons une politique de portes ouvertes et chacun fait autre chose et mène une autre vie à côté.

De la télé ou des trucs comme ça.

Et ça marche plutôt bien ainsi, on va surement tous se retrouver, on verra. On ne sait jamais ce qui va arriver, on verra à ce moment-là.

Jake [Clemons] a trouvé sa place au saxo, non ?

Il est arrivé tout doucement. Il a pris une place impossible à prendre, il savait ce que Clarence représentait et ce que ces solos représentaient. Il est égal à lui-même. C’est un jeune homme très malin et très touchant, il fait aussi sa propre musique à côté mais il comprend le groupe et les enjeux. C’était très important dans mon choix, j’ai reçu pas mal de DVD de démo de gars qui pouvaient tout jouer, je les regardais avec Patti, je disais et elle disait « Non, non, non, non » Cela n’avait rien à voir avec la manière de jouer. Les gars jouaient du mieux qu’ils pouvaientMais je savais ce qu’elle voulait dire. Elle voulait dire que d’une certaine manière cela devait rester dans la famille. Je pense que Clarence aurait aimé, il m’avait parlé plusieurs fois de son neveu, il disait : « J’ai un neveu, il joue très bien. ». Une fois il a emmené Jake avec lui en tournée, il n’a pas joué, il était juste là avec Clarence, en y repensant je crois qu’il l’avait là au cas où, je crois que Clarence ne sentait pas bien. C’était juste, nous étions …tout ce que je peux dire c’est qu’il y a quelqu’un  là-haut qui m’aime bien.

C’est la lignée. Finissons-en avec ça, avec une question un peu plus difficile, je pense à une interview récente parue dans le magazine Rolling Stone, vous parliez souvent de cette image de la lumière au bout du tunnel.

Pourquoi vous ne poseriez pas carrément  la question ?

Je dois avouer que vous êtes l’un des artistes le plus en forme qu’il m’ait été donné de voir sur scène.

C’est comme ces gars qui chavirent durant un marathon. Je suis sûr qu’ils étaient aussi en pleine forme. On ne sait jamais de quoi demain sera fait. Et à mon âge, on a déjà perdu pas mal de monde, n’est-ce pas ? Et après 50 ans ça ne fait qu’augmenter avec le temps. J’ai perdu deux tantes très chères cette année, les deux sœurs de mère, elles étaient un lien vivant vers notre monde en Italie, elles étaient  le noyau familial, je ne peux pas l’expliquer. C’était une énorme perte, elles étaient incroyables. Sans parler des amis et des gens qui se battent contre des maladies graves et souvent affaiblissantes. Quand on atteint un certain âge cela fait partie de la vie. Pendant 10 ans j’ai vu Clarence lutter pour survivre. Et Danny aussi. Cela fait partie de la vie, alors j’utilise toujours cette image pour me motiver, comme ça je suis encore plus intéressé par le travail.

Je pense que le groupe va jouer pendant encore longtemps mais pas pour toujours comme je le pensais quand j’avais 32 ans. Je réalise que tout a une fin. Maintenant quand on tourne en Europe je vois des groupes de jeunes de 16 ans qui voient le groupe pour la première fois, ou des gens qui ont la trentaine ou la quarantaine qui n’ont vu le groupe qu’à partir des années 2000 et que j’ai déjà vu à 50 concerts. Alors quand je vois ces jeunes, ils sont nombreux dans les concerts en Europe, je réalise que ces jeunes n’auront jamais vu le groupe avec Clarence ou n’auront jamais vu le groupe avec Danny, ils vont nous survivre de plusieurs années et je me dis ce soir c’est notre soir avec eux. Aujourd’hui on joue pour un public qui va nous survivre et c’est à la fois bien mais un peu doux amer, j’ai envie de faire ça pendant encore longtemps.

Leonard Cohen continue lui.

Oui et il est sensationnel.

Oh mon dieu. Il est même mieux qu’avant. Il fait des concerts de trois heures.  Il se peut qu’il  vous dépasse en termes de durée de concerts !

Oui. J’ai joué avec les Stones l’année dernière, j’ai passé une super soirée, ils ont bien joué et c’était vraiment sympa de les avoir sur scène et de les voir, ça comptait beaucoup pour moi. C’était vraiment bien, cela m’a motivé. Aussi mes enfants ne sont presque plus à la maison alors j’ai un peu plus de temps.

Alors maintenant vous pourriez répéter toute la nuit ? Sans risquer de réveiller les enfants ?

Oui nous pourrions si nous le voulions. Je pense qu’on n’a plus envie de faire ça. Et on a plus besoin de le faire. Mais il y a tellement de choses qui m’intéressent. Aujourd’hui j’aimerais faire un truc par an. Il n’y a pas de raison que je ne puisse pas. Le premier contrat que j’ai signé stipulait que je devais faire un album tous les six mois. Mais c’était un autre temps.

C’était comme ça avant non ? Les Beatles par exemple.

Un album tous les six mois. C’est ce qu’il fallait faire. J’ai signé, j’étais d’accord. Et c’est ce que j’ai fait la première année. J’aimerais sortir un truc une fois par an.

Est-ce que vous regardez ce que font les groupes comme Pearl Jam qui font pas mal de choses sur le net? Je sais que vous avez parlé dernièrement de mettre en ligne des concerts.

Oui on y travaille. J’aimerais travailler sur l’archivage. J’aimerais rendre les choses plus accessibles grâce au net. Internet est devenu notre ami. Nous sommes allés en Amérique du Sud, nous n’y étions pas allés depuis 25 ans et il y avait du monde. Je peux vous garantir que peu nombreux sont ceux qui nous avaient déjà vus mais ils savaient beaucoup de choses sur le groupe. Le premier soir où nous avons joué à Santiago du Chili, j’ai réalisé après quelques chansons que c’était grâce à internet. En d’autres termes aujourd’hui si on est quelque part on est partout. Ce n’est pas possible de ne pas être à un endroit. Le premier jour des ventes pour Johannesburg nous avons vendu 40000 tickets. Nous n’y étions jamais allés. C’est comme si nous y étions déjà allés les gens voulaient venir nous voir. C’est pour ça qu’internet m’intéresse, J’essaie de trouver des moyens de diffuser plus de musique par ce biais. Je ne suis pas en train de dire que je vais me mettre à tweeter. Quelqu’un a  tweeté, je crois que j’ai quelqu’un qui tweet pour moi “ Les vrais hommes ne tweetent pas” ou un truc dans ce genre. En tout cas quelqu’un a tweeté en mon nom.

Avez-vous des inquiétudes ? Certains musiciens se soucient du piratage et de tous les problèmes générés par le net mais vous avez l’air plutôt enthousiaste.

J’ai arrêté de m’inquiéter quand un gars très malin qui faisait de la musique s’est mis à vendre des casques, j’ai su à ce moment qu’il fallait complètement arrêter de s’inquiéter pour ce genre de choses.  Une fois mon pote Jimmy [Lovine] m’a demandé en parlant de ma musique ce que j’allais faire, je lui ai dit : « je vais vendre des casques ». C’est inquiétant mais pour quelqu’un comme moi  c’est beaucoup moins problématique.  J’ai un ami qui n’avait pas de maison de disques, ils ont sorti leur disque sur le net et en ont vendu 50000 exemplaires, ça leur a permis de mettre du beurre dans les épinards pendant deux ans. Je pense que c’est dans ce genre de cas que le piratage sur internet est dommageable. Je fais partie de ces gars qui pensent que toute peine mérite salaire, je suis vieux jeu là-dessus. En même temps internet a ses avantages, je pense un peu comme les Grateful Dead à savoir que tout ce que l’on fait est enregistré. Et ça me va. En fait je crois qu’à partir de cette prochaine tournée nous allons faire quelque chose, on pourra acheter un bracelet qui donnera accès à une version du concert online. Nous espérons faire ça en haute qualité.

On vient de loin. Au début on avait tendance à tout contrôler. Maintenant on prend ça comme un nouveau terrain de jeu et c’est vraiment passionnant, on a un site web et on a mis en ligne des extraits de la dernière tournée. Quand une interprétation est particulièrement réussie on a quelqu’un qui peut faire le mixage rapidement. On a aussi quelqu’un pour la mise en scène des concerts. Nous avons une superbe version de “New York City Serenade”  faite à Rome,  je suis content que l’ayons enregistrée.  C’était vraiment une soirée parfaite, nous avions la section des cordes qui avait fait un super boulot. Quand je l’ai vu j’étais content que ça existe. Ça n’existerait pas si nous n’avions pas pensé à diffuser sur le net.  J’ai hâte de faire de plus en plus de choses comme ça à l’avenir et j’espère que les fans aimeront, c’est une nouvelle aventure.

Mais ce n’est pas comparable avec le fait d’être dans la même pièce que vous Bruce Springsteen.

Et oui vous savez aucune vidéo de concert et aucun enregistrement de concert ne remplacera  la prestation en live. Je voulais voir Bob Dylan quand il est passé près de là où j’habitais avant à Monmouth College à Long Branch et j’étais juste content d’être dans la même pièce que lui. C’était sympa, j’étais juste content d’être là avec lui. C’est irremplaçable. C’est enregistrable mais on ne peut pas le reproduire.

Je suis d’accord. Je pense la même chose pour Aretha. Si je peux être dans la même pièce qu’Aretha je suis heureuse.

C’est bien. J’ai vu Elvis à la fin de sa fin quand il n’était pas en trop bonne santé. En fait j’ai vu Elvis deux fois. Une fois il était en pleine forme c’était au Madison Square Garden, c’était la première fois qu’il jouait à New York et la deuxième fois je l’ai vu à quelques semaines de sa mort quand il a joué à Philadelphie. Et il y a eu des hauts et des bas dans sa représentation mais à certains moments quelque chose se passait et je me disais : « C’est Elvis Presley et je suis là ». Et aujourd’hui  je m’en rappelle encore comme quoi.

Vous avez une répétition. Je vous remercie beaucoup. C’était vraiment gentil.

Merci à tous. Aimez cet album et on se verra sur la route.


Traduction : Zohralita

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