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Bruce Springsteen Q&A: On Top Down Under

Rolling Stone – Sean Sennett
Bruce Springsteen Q&A: On Top Down Under
The icon talks about his amazing Australian run of shows and his upcoming Record Store Day EP

By Sean Sennett
March 11, 2014 11:45

More than 40 years into his legendary career, Bruce Springsteen is still breaking new ground: He and the E Street Band recently played their first ever concerts in the South African cities of Johannesburg and Cape Town, and then hit, again for the first time, Perth and Adelaide in Australia. The Antipodean run of shows saw Springsteen play a staggering 129 different songs over thirteen nights, including surprise covers such as a Nebraska-esque reading of Lorde’s “Royals.” Even given Springsteen’s incredibly high standards, its been a thrilling series of gigs. We caught up with Springsteen at his Auckland, New Zealand, hotel room where he spoke about his latest shows, High Hopes, his upcoming EP, his choice of live covers and his songwriting process.

On your Australian tour, you chose Australian songs to play. Barry Gibb even tweeted that you brought the Bee Gee’s “Stayin’ Alive” “back to life.” You really got inside the lyric. What was your process for that?
We said, “Who’s the biggest Australian act in the world?” The Bee Gees. On my playlist I have a huge disco section — I like disco music from the Seventies a lot. The Bee Gees made great records and “Stayin’ Alive” was simply a great song. The lyrics are in our wheelhouse. I told Steve [Van Zandt], “Tomorrow night, ‘Staying Alive,'” and he goes, “You got me on that one. I don’t know how we’re gonna do it.” And Tom Morello said, “I don’t want to have any other ideas. Because I want to see how you’re gonna pull that one off.” Steve’s going, “I can’t imagine it.” I go okay, I’m not going to be able to sing it where they sang it, so I have to think about Marvin Gaye on What’s Going On and Trouble Man and I’m thinking of blaxploitation pictures. I thought, if I bring this thing down to my key and I play it like a blues, this is inner-city blues; it could slip right on to What’s Going On. I had to find my voice in it. I got the lyrics up on the computer and just started to sing it. When it sounded believable to me I knew we’d be fine. It was like, “Okay, I can be this person in this song.”

You really are pushing the envelope with the whole idea of what a rock concert should be. You’re learning new songs on the day of the concert. In Brisbane you added an eight-piece string section and played The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle. Are you trying to broaden the boundaries?
No, we’re just kind of doing what we’ve always done. I tried to bring a few things back: storytelling, which I stopped doing for a long time. I don’t do it every night, but it’s something you make up on the spot. I kind of brought that back a bit. I just wanted to do something different for Brisbane because we played the other three records, and we’d been having a great time playing stuff from The Wild, the Innocent. I also was very wary because I knew we didn’t really hit [Australia] until 1985. I assumed there would be a lot of people who didn’t know the record at all.

You said something in Sydney, with regards to playing your music live, about how you and the band “have to do it, and it has to be done.”
Most musicians are musicians because they have to be. Bonnie Raitt used to come back and always tease me. She said, “Boy’s got something in him. It’s gotta come out.” That’s the case. The case is you have to do it. Why would you play for three hours and 45 minutes or something? Gotta do it. It’s gotta be done.

You once said that the hardest thing was preserving the will. That was in the Nineties, but you obviously preserve the will really well.
Maybe it’s hard for some people, but I got enough bad things running around my head; it remains incredibly medicinal and centering. Retaining the will to do it, once you commit, once I book this show, you may be backstage, you may be tired, you maybe want to go to sleep, but that walk, whatever it is, 25 yards from the dressing room to the stage, it’s never failed me. Something turns on between those two points.

You’ve said that with your records, the opening song basically sets up questions that are answered through the rest of the album. High Hopes came together from various sessions, but it feels very cohesive.
Things come together. The Seeger Sessions record came together over a decade. And it sounds completely cohesive. As your work life gets longer, ten years isn’t that much. So material that I made in a ten-year span is recent material for me. That’s like I made it yesterday. It’s gonna have a lot in common with itself. This was just a lot of music I had around that I really liked that I wanted to release. Amazingly, the key to it came while we were down here. We were in Sydney and Tom suggested we play “High Hopes.” It sounded very good, [Producer-engineer] Nick DiDia happened to have a studio. We recorded like “Just Like Fire Would” the same day. Suddenly we got these two songs that sort of have life in them. I have this other group of songs I’m carrying around, and suddenly Tom is present, and alchemy happens. That’s how this record came to life.What I like about the record is it’s not particularly conceptual. It’s a group of good songs. I think it plays easily like that. It’s easy on your ear, and even though there’s some very big songs on it — “American Skin” and “The Ghost of Tom Joad.” I enjoyed it — it was not heavily fought over. That’s one of its charms. It was just kind of done relatively quickly.

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Just to get an idea of your songwriting process might be, a song like “Harry’s Place,” a Rising outtake that deals with gangsters, secrets and deception — was that a case of you wanting to tell a story and finding a tune to go with the story?
No, “Harry’s Place,” I started to write and I said I like the writing I did on The Wild, the Innocent. What if I was going to try to write something like that now? It initially started out as just me on the piano. [Producer] Brendan [O’Brien] heard it and I believe Brendan may have turned it into this rhythmic piece and made the sound that’s very compelling. It’s a very hard sounding thing for us.

A song like “Hunter of Invisible Game,” that is a great title. Did you get the title first and work backwards?
I wrote [the title] down years ago, and I don’t remember a lot about it except I said, “That’s a nice title.” I wrote it down and it sat there. Then I did more reading of other things. And I started to get into this sort of post-apocalyptic idea. The idea of these travellers in the wasteland, and what’s the guy trying to do? He’s trying to hold onto their humanness, their humanity in all of this ruin. That was the idea. That’s who this guy is, the guy who is hunting out remnants of what makes the spirit. It was one of those songs that came together a certain way and I didn’t think much about it when I wrote it. I put it away. Now it’s probably one of my favorite things on the record. We played it the other night for the first time and it seemed to have some impact.

You’re releasing a 12-inch vinyl EP, American Beauty, for Record Store Day on April 19. There are four previously unreleased songs: the title track, “Mary Mary,” “Hey Blue Eyes” and “Hurry Up Sundown.” What can you tell us about it?
It’s got some nice things on it. This is material from the past decade. Some were demos that I never cut. I believe “American Beauty” was a demo I made that I didn’t end up cutting with Brendan. I believe “Hurry Up Sundown” was the same thing. The other two songs, one was cut for maybe Magic or Working on a Dream and they’re just good music that didn’t get onto this record, and was sitting there. I thought it’s a nice time to support the record stores, which are dwindling and get some new music out at the same time.

You’ve toured Australia twice in a little over a year and this has been your first trip to New Zealand in a decade. Europe has been massive for you. It must feel pretty good to be so well received away from home?
The shows are very emotionally successful. They’re just these incredibly communicative events that occur. We’re outside of our own country, so there seems to be something heightened about it. I guess what I basically feel is that in Europe, rock music as a form for the discussion and expression of ideas and events of the day has retained its currency. It has done less so in the States. It’s been co-opted there by pop and hip-hop and a lot of other fabulous forms. But it’s kind of taken the hegemony away from rock.We have a fabulous and supportive audience in the United State’s that’s been with us for many years. I love playing to them.For some reason, perhaps in Europe and maybe in Australia also, I don’t know, but [rock] seems to be very alive and vital as a form to write about the day’s issues. It may have something to do with the different levels of popularity we have outside of the country at this moment. It’s basically our form, and it’s just fascinating.


L’icône parle de son incroyable tournée en Australie et de la sortie imminente d’un EP pour la Journée des Disquaires. (Le Record Store Day est une journée annuelle de promotion, organisée par les disquaires indépendants afin d’inciter le public à se rendre dans leurs boutiques. Elle se tient le troisième samedi du mois d’avril et est organisée depuis 2008 dans plusieurs centaines de magasins de disques aux États-Unis.)

Par Sean Bennett le 11 mars 2014 11h45.

Après plus de 40 ans de carrière, Bruce Springsteen arrive encore à explorer de nouveaux territoires. Il vient de jouer avec l’E Street Band pour la première fois à Johannesbourg et Cape Town en Afrique du Sud et ensuite Perth et Adélaïde en Australie, également pour la première fois. Pendant cette tournée aux antipodes Springsteen a joué 129 chansons différentes en 13 concerts, il a également surpris en reprenant dans le style de l’album Nebraska « Royals » de la chanteuse Lorde. Springsteen met la barre haute et ce fut une série de concerts époustouflants. Nous avons rencontré Springsteen dans sa chambre d’hôtel à Auckland en Nouvelle Zélande, il nous a parlé de ses derniers concerts, de High Hopes, de la sortie imminente d’un EP (Extended Play = Mini album entre 4 et 8 titres), de son choix de reprises en Live et de son processus d’écriture.

Lors de votre tournée en Australie vous avez choisi de jouer quelques chansons australiennes. Barry Gibb le leader des Bee Gee’s a tweeté que vous aviez redonné la vie à leur chanson « Stayin’ Alive». Vous vous êtes vraiment approprié les paroles. Comment avez-vous procédé?
On s’est demandé qui était le plus grand groupe australien, on s’est dit les Bee Gees. Dans ma playlist j’ai une énorme sélection disco, j’aime bien la musique disco des années 70. Les Bee Gees ont fait de bons disques et « Stayin’ Alive » est une belle chanson. Les paroles sont dans nos cordes. J’ai dit à Steve [Van Zandt] : « Demain soir on joue « Stayin’ Alive » », il m’a répondu que je l’avais scotché sur ce coup-là et qu’il ne savait pas comment on allait faire. Tom Morello a dit « Je ne veux pas avoir d’autre idées parce que je veux voir comment tu vas t’en sortir”. Steve avait du mal à imaginer comment j’allais faire. Je leur ai dit « Ok je ne vais pas pouvoir la chanter comme ils l’ont chanté mais plutôt comme Marvin Gaye sur « What’s Going On » et « Trouble Man » ». Je pensais aux films de Blaxploitation. Je me suis dit que je devais la chanter dans un ton plus dans mes cordes, comme un Blues, comme la chanson « Inner City Blues » ou un comme « What’s Going On ». J’avais les paroles sur mon PC et j’ai commencé à la chanter. Quand cela m’a paru acceptable j’ai su que cela irait. C’était un peu comme si je pouvais être cette personne dans cette chanson.

Vous repoussez les limites de ce que devrait être un concert de Rock. Vous apprenez des nouvelles chansons le jour même. A Brisbane vous avez ajouté une section de huit cordes et vous avez joué l’album The Wild, The Innocent & the E Street Shuffle. Vous repoussez vos limites ?
Non, nous faisons juste ce que nous avons toujours fait. J’essaie de refaire des choses que je n’avais pas faites depuis un moment, raconter des histoires par exemple. Ce n’est pas quelque chose que je fais tous les soirs c’est selon l’inspiration du moment. Je le refais un peu. Je voulais faire quelque chose de différent pour Brisbane parce que nous y avions déjà joué récemment trois autres albums, nous nous sommes bien amusés en jouant les morceaux de The Wild and The Innocent. J’étais un peu hésitant car nous avons été connus en Australie qu’à partir de 1985 il y avait donc pas mal de gens qui ne connaissait pas du tout cet album.
Vous avez dit à Sydney à propos de vos concerts que c’est quelque chose que le groupe et vous devez faire et qu’il faut le faire.
La plupart des musiciens sont musiciens parce qu’ils le doivent. Bonnie Raitt me taquinait souvent avec ça. Elle disait : « Ce garçon a quelque chose en lui et ça doit sortir ». C’est le cas, c’est comme une obligation. Sinon pourquoi se donner la peine de jouer pendant 3h45 ? Vous devez le faire et ça doit être fait.
Une fois vous avez dit que la chose la plus difficile était de conserver l’envie. C’était dans les années 90 mais visiblement vous avez bien conservé cette envie.
C’est peut être difficile pour certaines personnes mais moi j’ai eu assez de choses pénibles en tête que cela devient curatif et cela me permet de me recentrer. Conserver l’envie de le faire, une fois que l’on s’engage, que l’on bloque une date pour un concert, lorsqu’on est en coulisses on peut être fatigué, on peut avoir envie de dormir mais quand je fais la vingtaine de mètres qui sépare les coulisses de la scène l’envie ne m’a jamais fait défaut. C’est comme si il y avait quelque chose qui se met en marche entre ces deux points.

Vous avez dit de vos albums que la chanson d’ouverture pose les questions auxquelles vous répondez dans le reste de l’album. High Hopes est un recueil de différentes sessions mais l’ensemble est très homogène.
Les choses se rassemblent. L’album The Seeger Sessions s’est fait sur plus d’une dizaine d’années et pourtant c’est complètement cohérent. Quand on travaille depuis très longtemps, dix ans ce n’est rien. Les chansons rassemblées sur une période de dix ans sont pour moi des chansons récentes. C’est comme si je les avais faites hier. Ces chansons faites dans ce laps de temps auront donc beaucoup de choses en commun. J’avais toute cette musique que j’aimais et que je voulais diffuser. Etonnamment tout s’est joué quand nous étions ici. Nous étions à Sydney et Tom a voulu jouer « High Hopes ». Ça sonnait vraiment bien, il se trouve que le producteur / ingénieur du son Nick Didia avait un studio alors nous l’avons enregistrée ainsi que « Just like Fire Would ».
Ces deux chansons sont devenues en quelque sorte vivantes, j’avais aussi toutes ces autres chansons que je trimbalais, Tom était là et l’alchimie s’est faite. C’est comme ça que l’album s’est fait. Ce que j’aime dans cet album c’est qu’il n’est pas conceptuel. C’est un recueil de bonnes chansons. Il s’écoute facilement même si il y a des chansons un peu plus lourdes comme « American Skin » et « The Ghost of Tom Joad ». J’ai aimé le faire, il n’a pas fait l’objet de lourdes discussions. C’est l’un de ses charmes, il s’est fait relativement rapidement.

Pour nous donner une idée de votre processus d’écriture parlons de « Harry’s Place », une chute de l’album The Rising. Cette chanson parle de gangsters, de secrets et de trahison, est-ce que vouliez raconter une histoire et il a fallu ensuite trouver la mélodie qui allait avec l’histoire ?
Non, quand j’ai commencé à écrire « Harry’s Place » j’ai pensé à l’écriture de The Wild and the Innocent, j’aimais ce que j’avais fait et je me demandais ce que ça donnerait si j’essayais d’écrire quelque chose dans le même esprit maintenant. Au début j’étais tout seul au piano et mon producteur Brendan [O’Brien ] l’a entendue et l’a transformée avec ce rythme et a fait ce son captivant. C’était un son difficile à produire pour nous.

« Hunter of Invisible Game » c’est un titre génial. Est-ce que vous avez d’abord écrit le titre et les paroles sont venues après ?
J’ai écrit ce titre il y a pas mal d’années et tout ce dont je me souviens c’est que j’aimais ce titre. J’ai écrit le titre et je l’ai laissé de côté, entre-temps j’ai pas mal lu. J’avais en tête cette idée d’un monde post apocalyptique, des voyageurs à travers des friches abandonnées et ce que le héros essaie de faire. Il essaie de se raccrocher à leur humanité à travers ces ruines. C’était ça l’idée, le héros est ce type qui recherche les restes de ce qui fait de nous des esprits animés. La chanson s’est faite ainsi sans vraiment trop de réflexions lors de l’écriture. Ensuite je l’ai « rangée ». Aujourd’hui c’est surement un de mes morceaux préféré sur cet album. On l’a joué un soir il n’y a pas longtemps et apparemment elle ne laisse pas indifférent.

Vous allez sortir un EP American Beauty qui sera dans les bacs le 19 avril prochain pour la Journée des disquaires. Il comportera quatre titres inédits : « American Beauty », « Mary Mary », « Hey Blue Eyes » et « Hurry up Sundown ». Pouvez-vous nous en parler?
Ce sont vraiment des morceaux sympas. Ces chansons sont des dix dernières années. Certaines étaient des démos que je n’ai jamais enregistrées. Je crois que « American Beauty » était une démo que je n’ai jamais enregistrée avec Brendan, pareil pour « Hurry up Sundown ». L’un des deux autres morceaux a été enregistré pour l’album Magic je crois ou Working on a Dream, ce sont juste des bons morceaux que j’avais et qui n’ont jamais été enregistrés. Je me suis dit que c’était le bon moment pour à la fois apporter mon soutien aux magasins de disques qui vivent une période difficile et aussi pour sortir quelque chose de nouveau.

C’est votre deuxième tournée en Australie en un peu plus d’un an et votre première en Nouvelle Zélande depuis 10 ans. L’Europe est aussi très importante pour vous. Cela doit vous faire plaisir d’être aussi bien reçu aussi loin de chez vous?
Les concerts sont un vrai succès émotionnellement parlant. On sent que le courant passe incroyablement bien. Le fait d’être loin de chez nous donne une intensité supplémentaire. En fait je pense qu’en Europe le Rock est toujours considéré comme une forme d’expression d’idées et de témoin de la vie quotidienne. Aux Etats-Unis c’est moins le cas, cela été supplanté par la Pop et le Hip-Hop et d’autres choses tout aussi géniales. Du coup le Rock n’a plus le monopole dans ce domaine. Notre public aux Etats-Unis est génial et il nous soutient depuis de nombreuses années. J’adore jouer pour eux. Mais je ne sais pas pourquoi en Europe et en Australie aussi le Rock semble très vivant et c’est encore un moyen vital de parler des problèmes du quotidien. Cela a surement à voir avec la popularité que nous avons là-bas en ce moment. En gros c’est comment nous sommes sur scène et c’est passionnant.

Traduction : Zohra

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